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La poliziotta

2012-03-03T19:02:00.000+01:00

La segretaria di un avvocato diventa vigile e fa verbali e multe senza guardare in faccia nessuno. La reprimono. Storia comica ben confezionata con il ritmo dell'avanspettacolo anni '50. Steno lascia a ognuno lo spazio che gli è più congeniale e M. Melato spicca su tutti.

Lucio Dalla video

2012-03-01T21:25:00.001+01:00

Lucio Dalla

2012-03-01T20:37:00.001+01:00

Lucio Dalla
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Lucio Dalla

Nazionalità
Italia
Genere
Pop
Beat
Rock
Soul
Periodo di attività
1962 – 2012
Etichetta
ARC, RCA Italiana
Album pubblicati
29
Studio
23
Live
6
Sito web
luciodalla.it
Lucio Dalla (Bologna, 4 marzo 1943 – Montreux, 1º marzo 2012) è stato un cantautore,attore e regista italiano.
Sul piano musicale è stato uno dei più affermati cantautori italiani, considerando la continuità della sua carriera che sfiora i 50 anni di attività artistica.
Musicista di formazione jazz, riscopertosi poi autore dei testi delle sue canzoni in una fase matura, ha suonato da clarinettista e sassofonista, e talvolta da tastierista.
La sua produzione musicale ha attraversato numerose fasi, dalla stagione beat alla sperimentazione ritmica e musicale, fino alla canzone d'autore, arrivando a varcare i confini della lirica e della melodia italiana.
Indice
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1 Biografia
1.1 Gli inizi
1.2 La carriera da solista
1.3 La collaborazione con Roberto Roversi
1.4 La maturità artistica e il grande successo
1.5 La collaborazione con Francesco De Gregori
1.6 Gli anni ottanta
1.7 La collaborazione con Gianni Morandi
1.8 Gli anni novanta e duemila
1.9 La nuova collaborazione con De Gregori e il ritorno a Sanremo
1.10 La morte
2 Curiosità
3 Discografia
3.1 33 giri e CD
3.2 45 giri
3.3 Partecipazioni
3.4 Duetti
4 Video musicali
5 Filmografia
6 Onorificenze
7 Note
8 Bibliografia
9 Altri progetti
10 Collegamenti esterni
Biografia

La sua carriera attraversò quattro periodi: le origini (tra il 1964 e il 1972 con il gruppo musicale "Gli Idoli"), il periodo Roversi (tra il 1973 e il1976), la maturità artistica (tra il 1977 e il 1993) e la fase pop degli ultimi anni.
Gli inizi

Lo zio di Lucio, Ariodante Dalla
Bolognese, suo padre fu direttore in città del club di tiro a volo (sarà citato in "Come è profondo il mare": "Babbo, che eri un gran cacciatore di quaglie e di fagiani..."), sua madre, Iole Melotti (ritratta nella copertina dell'album "Cambio"), fu sarta casalinga, mentre suo zio Ariodante Dalla, fu noto cantante melodico popolare negli anni quaranta e cinquanta.
Nel 1950, a sette anni, Dalla rimase orfano di padre, che morì stroncato da un tumore, e la madre decise di istruirlo presso il Collegio Vescovile "Pio X" di Treviso, dove trascorse le scuole elementari e dove iniziò ad esibirsi nelle recite scolastiche; imparò quindi a suonare la fisarmonica. Tornato adolescente a Bologna, si appassionò al jazz: la madre, per il suo tredicesimo compleanno, gli regalò un clarinetto, che il giovane Lucio imparò in fretta a suonare, esibendosi in alcuni gruppi dilettantistici della città e mettendosi subito in evidenza. In questo periodo conobbe Gianfranco Baldazzi, che diventerà in seguito suo fido collaboratore. La madre, di origini pugliesi, ogni anno era solita andare in vacanza a Manfredonia. Da qui nacque l'amore di Dalla per il mare, San Cataldo e Lido Mancarella. Per pagare dei lavori di sartoria, alcuni clienti residenti nelle Tremiti le diedero una casa nell'arcipelago [1] così Dalla cominciò a trascorrervi tutte le estati, fino ad aprire in loco uno studio di registrazione nell'età matura. Il percorso scolastico non fu lineare: iniziò ragioneria, passando poi al liceo classico e infine al liceo linguistico.
Fece parte, come clarinettista, di un gruppo jazz bolognese, la Rheno Dixieland Band, di cui fece parte anche il regista Pupi Avati, il quale, sentendosi "chiuso" dal talento di Dalla, abbandonò presto trovando la via del cinema.
Nel 1960 partecipò con la Rheno al Primo festival europeo del Jazz, ad Antibes, in Francia. La formazione bolognese si classificò al primo posto tra le "bande tradizionali". Si fece così notare da un'orchestra di professionisti romani, la "Second Roman New Orleans Jazz Band", composta da Maurizio Majorana, Mario Cantini, Peppino De Luca, Roberto Podio e Piero Saraceni; con loro ebbe, nel 1961, la prima esperienza in sala d'incisione, suonando il clarino nel brano strumentale Telstar, cover di un successo internazionale, pubblicato dalla RCAsu 45 giri, che fu la sua casa discografica per la prima parte della sua carriera. Alla fine del 1962 entrò invece nei Flippers collaborando quindi ad alcune incisioni di Edoardo Vianello, che i Flippers accompagnarono anche nelle serate. Si tratta dei tempi dei primi giochi da bar a gettone.
Come raccontò lo stesso Dalla a "Torinosette" (settimanale de "La Stampa"), proprio con i Flippers firmò il suo primo contratto, sempre nel1962, poco prima di iniziare la collaborazione con Vianello, impegnandosi per alcune serate nella sala "Le Roi Lutrario" di Torino, dove ebbe dispute con i padroni del locale che non approvarono la sua abitudine di esibirsi scalzo. Torino tornerà in numerose sue canzoni degli esordi scritte con Roversi.

Gino Paoli e Lucio Dalla durante il Cantagiro del 1964
Durante queste serate, prese a esibirsi negli estemporanei gorgheggi in stile scat, che divenne poi una sua caratteristica vocale: una delle sue prime incisioni scat fu inserita in un album dei Flippers, intitolato "At Full Tilt", nella canzone Hey you.
Coltivando lo studio dello stile di James Brown, con un uso della voce volutamente disarmonico e aspro e la tendenza jazzistica di decorare le linee melodiche con impreviste variazioni ai limiti delle più diffuse logiche musicali, Dalla iniziò a imporre un proprio marchio di fabbrica.
Durante il Cantagiro del 1963 Gino Paoli lo persuase a tentare la carriera da solista, come raccontaMassimo Catalano: «Lucio suonava con me nel complesso dei "Flippers", partecipammo nel 1963 al Cantagiro con un brano intitolato I Watussi, insieme a Edoardo Vianello. A quella manifestazione partecipava anche Gino Paoli, che ci rubò letteralmente Lucio, facendolo diventare un cantante del suo clan. Noi ci incavolammo molto con Gino».[2]
La carriera da solista

Gli Idoli accompagnano Lucio Dalla nel 1967; sono visibili da sinistra a destra Emanuele Ardemagni al basso, Giorgio Lecardi alla batteria e Bruno Cabassi alle tastiere
Nel 1964, a 21 anni, incise il suo primo 45 giri contenente Lei (non è per me) e Ma questa sera(quest'ultima, cover di Hey little girl di Curtis Mayfield), pubblicato dalla ARC, casa discografica distribuita dalla RCA Italiana, per cui usciranno i successivi 45 giri di Dalla, nonché il suo primo LP.
Il suo esordio al Cantagiro 1964, in cui presenta proprio Lei, scritta da Paoli, fu deludente, e sia durante le serate itineranti che (specialmente) durante gli spostamenti della carovana venne fatto segno di lanci di ortaggi e derrate alimentari: «Fu un fiasco di rimarchevoli proporzioni, ogni sera infatti raccattammo una buona dose di fischi e di pomodori, uno spettacolo nello spettacolo, che durò quanto la manifestazione. Lucio, in ogni modo, si mostrò veramente un duro, e non si lasciò abbattere».[3].

Lucio Dalla con gli Idoli nel 1972; da sinistra a destra Emanuele Ardemagni al basso, Giorgio Lecardi alla batteria e Bruno Cabassi alle tastiere
Formò quindi un proprio gruppo di accompagnamento con musicisti bolognesi, "Gli Idoli", con i quali incise il suo primo album, intitolato 1999, pubblicato nel 1966. L'album fu "trainato" da Quand'ero soldato e Paff....bum!, presentata qualche mese prima al festival di Sanremo del 1966 abbinato con gli Yardbirds. Sempre nel 1966 Dalla e gli Idoli registrarono un 45 giri con lo pseudonimo "The Group": contenente due standard jazz, See saw e Cool jerk, riscuotendo un discreto successo, nonostante la mancanza di promozione.
A Sanremo fece ritorno l'anno seguente, con Bisogna saper perdere, abbinato con i Rokes di Shel Shapiro: il 1967 fu anche l'anno del suicidio di Luigi Tenco, che collaborò con Dalla per uno dei testi del primo disco, Mondo di uomini, e con cui aveva stretto amicizia.(«Con Tenco avevo avuto rapporti di amicizia e di collaborazione. Andammo a Sanremo insieme, prendemmo la camera vicina, e la sua morte mi sconvolse...non dormii per un mese»).[4].

Lino Patruno, Lucio Dalla, Nanni Svampa e Lucia Mannucci nel 1970
Sempre nel 1967 esordì in un film d'autore, dopo essere comparso in alcuni "musicarelli" tra cui Little Rita nel West o Quando dico che ti amo: recitò ne I sovversivi, dei fratelli Paolo e Vittorio Taviani, aggiudicandosi una candidatura come migliore attore alla Mostra di Venezia («Il film ebbe successo, io ero in lizza per vincere la palma come miglior attore, poi per ragioni, diciamo così, di organizzazione politica la dettero ad un attore jugoslavo»)[5]; l'attore in questione era il belgradese Ljubiša Samardžić (alias Smoki Samardi') per il film "Jutro"/L'alba.
Successivamente Dalla attraversò in maniera più diretta la stagione beat, pubblicando brani meno ambiziosi, tra cui si distinsero Lucio dove vai e soprattutto Il cielo, con cui partecipò al Festival delle Rose; lo stesso brano verrà anche presentato a Canzonissima 1968.

Lucio Dalla con Mina e Tata Giacobetti
Nel 1969 ebbe un discreto successo con la canzone "Fumetto", scelta dalla Rai come sigla del programma di cartoni animati della Tivù dei ragazzi "Gli eroi di cartone". All'inizio del nuovo decennio incise il secondo album Terra di Gaibola (da un sobborgo di Bologna) con alcune canzoni considerate tra le migliori della sua produzione (Il fiume e la città, Orfeo bianco, Non sono matto o la capra Elisabetta, scritta ancora con Gino Paoli e Africa) più una reinterpretazione di Occhi di ragazza scritta originariamente per Gianni Morandi e i primi brani scritti con un giovanissimo Ron. Completano il disco la già citata Fumetto e Sylvie, pubblicata qualche mese prima su 45 giri.
Dalla partecipò per la terza volta al Festival di Sanremo del 1971 con 4/3/1943, su parole della poetessa Paola Pallottino, che gli valse il terzo posto assoluto. Il brano, prima di essere ammesso alla manifestazione, conobbe gli strali della censura, essendo stato intitolato inizialmente Gesù Bambino, titolo giudicato irrispettoso, considerando anche la storia narrata di una ragazza madre, figlia di un ignoto soldato americano: insieme ad alcune parti del testo, anch'esse giudicate inadeguate, ne fu cambiato il titolo ex abrupto prendendo a spunto la sua data di nascita, pur non essendo una canzone autobiografica. Il brano ottenne comunque un successo notevole, fino allora mai raggiunto da Dalla, e fu interpretato in francese, nello stesso anno, da Dalida (il testo sarà firmato da Pierre Delanoë), e fu portata al successo oltreoceano da Chico Buarque de Hollanda, che la ascoltò direttamente da Dalla, la memorizzò a orecchio e ne scrisse un testo nella sua lingua. Anche il riscontro commerciale nel nostro Paese staccò nettamente, in termini di vendite, l'abbinamento con la Equipe 84.
In quell'anno uscì l'album "Storie di casa mia", contenente tra le altre: Un uomo come me, La casa in riva al mare (storia di un detenuto), Il gigante e la bambina (sul tema delicato della pedofilia, scritta per Ron e da questi portata al successo), Per due innamorati, e Itaca, dialogo metaforico di un marinaio di Ulisse al suo capitano, dove ai cori Dalla fece cantare gli impiegati della RCA (qualche anno dopo Dalla spiegherà la canzone come una metafora della ribellione del proletariato, rappresentato dai marinai, agli industriali raffigurati da Ulisse).[6].
Nel 1972 fu ancora a Sanremo con Piazza Grande, dedicato a un senzatetto, la cui musica fu scritta da Ron, pubblicato solo su 45 giri, come anche "Sulla rotta di Cristoforo Colombo", pubblicata qualche mese dopo e scritta insieme a Edoardo De Angelis.
La collaborazione con Roberto Roversi
« Nel bel prato d'Italia c'è odore di bruciato. Un filo rosso lega tutte, tutte queste vicende. Attenzione: dentro ci siamo tutti, è il potere che offende! »
(Roberto Roversi, da Le parole incrociate di Lucio Dalla)

Lucio Dalla e Umberto Bindi alla fine degli anni sessanta
Nel 1973 Dalla cessò la collaborazione ai testi con Sergio Bardotti e Gianfranco Baldazzi (autori di quasi tutte le sue canzoni incise finora), e si rivolse al poeta bolognese Roberto Roversi per una collaborazione che attraversò quattro anni e tre album, che la critica definì fondamentali per la canzone d'autore italiana:[7] ancora sperimentale il primo (Il giorno aveva cinque teste), di interpretazione a volte difficile, ma proprio per questo ricco di tematiche e di possibili livelli di lettura; il brano d'apertura Un'auto targata TO, mancò in extremis la partecipazione al Festival di Sanremo.
Più adeguato alla forma-canzone fu invece Anidride solforosa. Tra i brani: "Mela da scarto" (sulla delinquenza minorile, in cui viene citato il Ferrante Aporti, riformatorio di Torino), "Le parole incrociate", sugli eccidi di stato post-unitari, Carmen Colon, sui casi di cronaca nera raccontati dai mass media, e la stessa title-track (anni dopo incisa in coppia da Francesco De Gregori e Angela Baraldi). Sempre nel 1975 ebbe inizio la collaborazione con De Gregori (con il quale l'anno precedente Dalla tenne alcuni concerti, insieme ad Antonello Venditti e Maria Monti, da cui fu tratto il disco dal vivo Bologna 2 settembre 1974 (dal vivo)): scrissero insieme la musica perPablo, che De Gregori inserì in Rimmel, e per Giovane esploratore Tobia, inclusa l'anno dopo in "Bufalo Bill".
Come atto conclusivo del sodalizio, la coppia Dalla-Roversi, nel 1976 concepì "Il futuro dell'automobile e altre storie", uno spettacolo teatrale trasmesso anche dalla Rai: Dalla, spinto dalla casa discografica, raccolse in un nuovo disco parte delle canzoni che ne facevano parte, contro il volere di Roversi che di conseguenza decise di non firmare l'album col suo nome depositandole con lo pseudonimo di Norisso: «Non ho voluto sottoscrivere il 33 giri Automobili" disse. "È un tattico stravolgimento da parte della casa discografica del filo rosso argomentante che sottostava allo spettacolo Il futuro dell'automobile».[8]
Questa frizione portò al termine della collaborazione artistica tra i due; tra le canzoni non incluse da Dalla (i cui testi erano molto più politicizzati) I muri del '21, La signora di Bologna, Assemblaggio, Rodeo e Statale adriatica, chilometro 220 sono tuttora inedite, tranne "Ho cambiato la faccia di un dio", che Dalla incise nel 1990 in "Cambio" cambiando il titolo in Comunista e modificandone alcune strofe.[9]"Automobili", che nella sua programmatica monotematicità è il più eterogeneo dei tre, viene premiato dalle vendite grazie soprattutto alla canzone Nuvolari dedicata al pioniere dell'automobilismo; è il primo disco in cui collaborano con Dalla quattro musicisti che, anni dopo, daranno vita agli Stadio (Giovanni Pezzoli, Marco Nanni, Ricky Portera e Gaetano Curreri).
Tra le altre canzoni del disco si segnalano "Il motore del 2000" (utilizzata anni dopo dalla Fiat per la colonna sonora dello spot della Fiat Uno Fire), e "Intervista con l'Avvocato" (con un testo ridotto rispetto allo spettacolo), in cui Dalla, usando il suo celebre scat, immagina un'intervista con Gianni Agnelli.
Così Dalla dichiarò a proposito del divorzio artistico con Roversi: «A un certo punto ci siamo divisi su come organizzare il nuovo lavoro: lui lo voleva in maniera estremamente rigorosa, impostata verso un approfondimento del linguaggio dei nostri lavori precedenti, per esempio lui voleva parlare ancora essenzialmente con un linguaggio politico, mentre io non ero d'accordo, perché bisognava allargare più contatti col pubblico».[10]
La maturità artistica e il grande successo
Avviene a questo punto un nuovo strappo nella carriera di Dalla che, molto socievole e sostanzialmente un po' insicuro dietro la maschera difensiva della sua "clownerie", fino a quel momento aveva sentito il bisogno di appoggiarsi di volta in volta ad un qualche collaboratore per i testi vivendo di fatto anche l'inevitabile senso di inferiorità culturale verso colleghi intellettuali e di solito acculturatissimi; frustrato da una collaborazione con Roversi entrata in crisi subito dopo aver dato i suoi frutti migliori, Dalla decide di diventare referente unico della sua musica e di lì in avanti sarà in tutti i suoi album sia compositore che autore, senza però smettere di frequentare artisti, poeti e scrittori come, ad esempio, Mimmo Paladino, Aldo Mondino, Pier Vittorio Tondelli, Michelangelo Pistoletto, Luigi Ghirri, Enrico Palandri, Giacomo Campiotti,Gian Ruggero Manzoni, Andrea Pazienza, Enzo Cucchi, Luigi Ontani. Pubblica nel 1977 Come è profondo il mare (con Quale allegria eDisperato erotico stomp): il disco viene visto da molti fan come un tradimento ed un cedere ad esigenze commerciali, ed in tal senso lo attaccherà Roversi: «Ha voluto semplicemente essere lasciato in pace a cantare il niente. Sono scelte industriali, non sono scelte culturali».[11]
Conquista però molti nuovi appassionati; una certa pubblicità al disco si ha anche per le polemiche legate al linguaggio di Disperato erotico stomp (così dalle pagine de L'espresso il cantautore viene attaccato da Sergio Saviane: «Dalla, per fare troppo lo spiritoso o per far vedere che soffre, condisce i suoi spaghetti canori miliardari con i luoghi comuni della miseria e del sesso sottoproletario: siamo arrivati al populismo della masturbazione bolognese. Che bisogno c'è di tanti culi, fiche, peli o pippe per mandare un messaggio?»).[12] Come è profondo il mare è seguito da un disco ancora più famoso nel 1979, Lucio Dalla (con Anna e Marco, L'ultima luna, L'anno che verrà), che raggiunge il milione di copie vendute, bissato nel 1980 da Dalla (Futura, Cara, Balla balla ballerino).
Anche le tournée legate alla promozione dell'album riscuotono grande successo: a Torino, ad esempio, la sera del 4 aprile 1979 si presentano ben 20.000 persone per ascoltare il suo concerto, e poiché il Palasport ha una capienza, all'epoca, di 15.000 spettatori, restano fuori dai cancelli 5000 persone.[13]
La collaborazione con Francesco De Gregori
Tra i due album citati c'è il 45 giri Ma come fanno i marinai, scritto e cantato in collaborazione con Francesco De Gregori. Il brano è nato in modo abbastanza casuale, come racconta il cantautore romano: «La canzone, forse la gente non ci crede, è nata a pranzo, quando, dopo il caffè, ci siamo messi a suonare insieme».[14]
Ad esso fa seguito qualche mese dopo Banana Republic, tour dei due cantautori (seguito da disco e film) che riempie nel 1979 gli stadi di tutta Italia, e che è lanciato da un concerto nel luglio dell'anno precedente allo stadio Flaminio di Roma, con ben quarantamila spettatori.[15]
Nel 1980 la collaborazione tra i due cantautori ha un'appendice: collaborano infatti all'album Una città per cantare di Ron, sia scrivendo i testi per il cantautore pavese, sia cantando insieme nell'ultima strofa della title-track.
Gli anni ottanta
Nel 1981 pubblica Q disc (con Telefonami tra vent'anni) e due anni dopo l'incompreso 1983, che induce Dalla a cambiare rotta musicale: abbandona gli Stadio, ormai avviati ad una carriera come gruppo, ed inizia a collaborare con Mauro Malavasi, che accentua la ritmica degli arrangiamenti: il risultato è Viaggi organizzati, con la famosissima Tutta la vita, incisa anche in inglese da Olivia Newton-John e cantata anche anni dopo da De Gregori dal vivo, e Washington, con la parte musicale scritta da Tullio Ferro, storico autore di musiche per Vasco Rossi.
Nel 1986 torna a lavorare con gli Stadio per l'ottimo e sottovalutato album Bugie (dove partecipano come batterista e autore Giovanni Pezzolie come corista Gaetano Curreri) e poi parte in concerto con il gruppo al completo (Ricky Portera, Marco Nanni, Aldo Fedele, Roberto Costa + Pezzoli e Curreri) per una serie di concerti all'estero culminati con le esibizioni negli Usa da cui verrà tratto il doppio album dal vivoDallAmeriCaruso. Memorabile è l'unico brano inedito dell'album, Caruso, che regalerà nuovamente a Dalla un successo incredibile che da anni stentava ad arrivare.
La collaborazione con Gianni Morandi
Nel 1988 arriva una nuova, trionfale esperienza ovvero Dalla/Morandi, disco (con inediti scritti da Mogol, Mario Lavezzi, Battiato, Stadio e Ron) e lunghissimo tour (anche all'estero) nel quale i due miti della musica italiana, accompagnati (per l'ultima volta) dagli Stadio giocano a scambiarsi i brani, raccontando la loro storia e incantando il pubblico che interviene numerosissimo ad ogni concerto. Rai 1 manda in onda in diretta la tappa conclusiva del tour estivo da Taormina (con la regia di Gabriele Salvatores) che avrà picchi di ascolto notevoli. In seguito verrà tratta anche una vhs/dvd della data invernale registrata a Venezia e un ulteriore album (singolo) intitolato DallaMorandi in Europa (brani tratti dal doppio album).
L'avventura DallaMorandi chiude definitivamente, e con qualche polemica, la lunga collaborazione tra Dalla e gli Stadio e lancia la giovanissima Angela Baraldi, presente nei concerti come corista e in seguito affermatasi come cantante solista (inizialmente prodotta proprio da Dalla) e anche attrice.
Gli anni novanta e duemila
Superati i cinquant'anni, Dalla abbandona quasi completamente gli istrionismi. Dagli anni novanta i suoi album restano ottime raccolte di canzone d'autore tra cui vanno ricordati Cambio del 1990 (con il successo del singolo Attenti al lupo scritto da Ron) e il malinconico Hennadel 1993, ricco di piccole perle intimiste (vedi l'intensa Latin lover) e momenti di follìa pura (come nell'ironica Merdman).
Nel 1996 esce Canzoni e ancora una volta l'album è trainato da un singolo di grossa presa popolare ovvero Canzone, il cui testo è stato scritto insieme a Samuele Bersani, giovane pupillo di Dalla. Dopo Ciao del 1999, il nuovo millennio si apre con Luna Matana del 2001, contenente brani come: Siciliano con la partecipazione di Carmen Consoli, Kamikaze, Zingaro, Baggio Baggio e Agnese delle Cocomere con la partecipazione di Ron, brano dedicato ad uno storico ritrovo di Bologna frequentato oltre che da Lucio Dalla anche da altri cantanti e personaggi dello spettacolo come Gianni Morandi, Cesare Cremonini, Biagio Antonacci, Vasco Rossi, Enzo Iacchetti e molti altri: il brano non è solamente dedicato al locale ma anche ai bolognesi e alla bolognesità.
Dalla si è dedicato anche alla composizione ad ampio respiro (con la sua "Tosca - Amore disperato" brano interpretato con la partecipazione di Mina, secondo molti critici musicali è andato ben oltre la dimensione della musica leggera)[senza fonte], ha sfoltito ma nobilitato la sua attività live. Ha interpretato musiche di Vivaldi con i Solisti Veneti di Claudio Scimone. Scrive le musiche del film Prima dammi un bacio diAmbrogio Lo Giudice dove tra i protagonisti figura Luca Zingaretti. Supervisiona le musiche della soap opera Sottocasa in onda su Raiuno.
Dalla si esprime efficacemente anche come talent scout e negli ultimi anni riesce a dedicarsi ad iniziative che puntano a rivitalizzare il panorama musicale italiano. Tra le altre iniziative il Lucio Dalla Music Club organizzato prevalentemente con l'ausilio del web[16].
Nel febbraio 2007 torna ad esibirsi con Ron, in uno spettacolo accompagnato da un'orchestra d'archi, dal violinista Lino Cannavacciuolo, dalla compagnia di mimo e danza Kataklò e la regia curata da Pepi Morgia; nello stesso periodo inizia a collaborare con Marco Tutino, sovrintendente e direttore artistico del Teatro Comunale di Bologna per un progetto sul "Pulcinella" di Igor Stravinskij, del 1920.
Quest'opera del musicista russo viene messa in scena dal 18 al 27 marzo 2007, con la regia di Lucio Dalla e le coreografie di Luciano Cannito per il primo ballerino, il crotonese Alessandro Riga, mentre l'orchestra è diretta dal maestro David Agler, abbinata all'"Arlecchino" diFerruccio Busoni (del 1917), che vede come primo attore Marco Alemanno: Dalla opera un intervento scenografico sulle due opere, spostandone l'azione a New York (per "Pulcinella") e in un paesino delle colline tosco-emiliane per "Arlecchino". I DVD degli spettacoli sono stati prodotti da Gianni Salvioni (che ha prodotto anche il DVD "classic" del cofanetto intitolato 12.000 lune edito da SonyBmg e contenente il live con le canzoni di Lucio Dalla in chiave classica) e pubblicati dalla casa discografica Ermitage.
Ha cantato al trofeo "Birra Moretti" allo stadio San Paolo di Napoli, squadra di calcio per cui ha manifestato la sua passione, l'8 agosto 2007.
Nel gennaio 2008 ha rilasciato una intervista al quotidiano cattolico online Petrus dedicato al pontificato di Papa Benedetto XVI dove afferma di non essere "mai stato né marxista, né comunista" ma di ispirarsi a San Josemaría Escrivá de Balaguer fondatore dell'Opus Dei.[17]Tuttavia, in una successiva apparizione televisiva,[18] ha dichiarato di essere stato male interpretato: nell'intervista ha semplicemente asserito di essere concorde con le affermazioni riguardanti il lavoro fatto dal fondatore dell'Opus Dei, il cui nome ed il relativo pensiero aveva sentito per la prima volta in quell'occasione. Nella medesima partecipazione televisiva ha dichiarato inoltre di essere una persona avulsa dal senso di vergogna, e di portare un parrucchino.
Sempre nel 2008 Lucio Dalla mette in scena L'opera del Mendicante di John Gay, interpretata dalla cantante e attrice Angela Baraldi e Peppe Servillo degli Avion Travel. Lo spettacolo ha debuttato al teatro Duse di Bologna il 31 marzo.
Il 7 luglio 2008 il cantautore bolognese presenta l'inno ufficiale della squadra olimpica italiana, intitolato Un uomo solo può vincere il mondo ed appositamente composto per i Giochi di Pechino[19].
A dicembre, il cantante recita in Artemisia Sanchez su Raiuno; per tale miniserie scrive e canta il tema d'apertura.
L'11 maggio 2009 è ospite per la prima volta di una trasmissione delle reti Mediaset (Mattino Cinque, Canale 5) e esegue col pianistaNazzareno Carusi, all'interno del suo spazio Pillole di Classica, l'aria Nessun dorma dalla Turandot di Giacomo Puccini[20].
Il 10 ottobre 2009 viene trasmesso dalle radio il singolo Puoi sentirmi?, che anticipa l'uscita dell'album Angoli nel cielo, pubblicato il 6 novembre successivo.
La nuova collaborazione con De Gregori e il ritorno a Sanremo

Dalla e De Gregori al PalaFabris di Padova(ottobre 2010)
Il 2010 si apre con la notizia, che viene data il 2 gennaio, di un concerto insieme di Dalla conFrancesco De Gregori, a trent'anni da Banana Republic, al Vox club di Nonantola, con la denominazione Work in progress[21].
Il concerto, che in breve tempo diventa "tutto esaurito" in prevendita[22] fa da preludio ad una serie di concerti insieme che vengono annunciati proprio in occasione della data di Nonantola e che si svolgeranno nel mese di maggio a Milano e Roma[23]; nel corso della serata i due presentano, oltre alle canzoni note, un inedito intitolato Non basta saper cantare ed annunciano l'uscita, in occasione del tour, di un album realizzato insieme[24], intitolato Work in Progress.
Il 22 marzo 2010 conduce insieme a Francesco De Gregori la nuova trasmissione televisiva di Rai 2, intitolata Due, durante la quale i cantanti si esibiscono singolarmente ed in duetto in cover e brani del loro repertorio.
Il tour continua per tutto il 2010 e buona parte del 2011.
Come degna conclusione di questo tour, i due partecipano al concerto del 1 maggio, presentato da Neri Marcorè, come punta di diamante dell'evento.
Il 6 luglio 2011 è tra i principali firmatari dell'appello promosso dalla SIAE atto a sostenere l'azione di lobby affinché venga difesa e approvata, nella sua prima e più stringente stesura, la delibera AgCom (presieduta da Corrado Calabrò) 668/2010[25]; delibera che dichiara lo scopo di combattere possibili violazioni del diritto d'autore e di proteggere gli interessi economici legati all'industria discografica e del multimediale inrete; grazie a questa delibera, all'Autorità per le Garanzie nelle Comunicazioni, semplice autorità amministrativa indipendente di nomina politica, si dovrebbe dare il potere di bloccare, oscurare, censurare e cancellare qualsiasi sito sospettato di violare un copyright, tramite una semplice azione amministrativa (anche indotta dalla segnalazione della lobby che si ritenesse danneggiata), senza una previa azione dell'autorità giudiziaria che dovrebbe appurare l'effettiva presenza del reato.[26]
Il 14 Febbraio 2012 ritorna sul palco del Festival di Sanremo a quarant'anni dall'ultima partecipazione, accompagnando il giovane cantautorePierdavide Carone con il brano Nanì, del quale è anche co-autore[27].
Il 27 febbraio 2012 da Lucerna, Svizzera parte la sua nuova tournèe, che fa tappa la sera seguente a Zurigo ed il 29 febbraio a Montreux.
La morte

Wikinotizie ha notizie sull'argomentoMalore improvviso, addio a Lucio Dalla
A Montreux, la mattina del 1º marzo 2012 è stroncato da un infarto.[28] Tre giorni più tardi avrebbe festeggiato il suo sessantanovesimo compleanno sul palco del théâtre du Léman aGinevra.
Curiosità

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Il cantautore Lucio Battisti è nato il giorno dopo Lucio Dalla, il 5 marzo 1943.
Con il bizzarro pseudonimo di Domenico Sputo, Dalla ha partecipato in vesti di corista, tastierista e sassofonista a diversi album degliStadio, Ron, Luca Carboni fino ad autocitarsi nel brano Domenico Sputo presente nell'album Luna Matana.
Negli anni novanta viene insignito anche della laurea ad honorem in Lettere e Filosofia (Discipline di arte musica e spettacolo) dall'Università di Bologna.
È stato un appassionato di auto sportive, in particolare Porsche e come dichiarato in un'intervista, possedeva una Porsche 911 Carrera.
Nel 2001 è stato il direttore creativo di My-Tv, la prima web-tv italiana[29].
La canzone Il motore del 2000 è stata colonna sonora dello spot pubblicitario della Fiat Uno Fire[30] nel 1992.
La canzone Nuvolari è stata colonna sonora dello spot pubblicitario istituzionale della Alfa Romeo nel 2008-2009[31].
Assieme ad Antonello Venditti, è stato l'autore della colonna sonora de La storia bandita, spettacolo teatrale dedicato al brigante Carmine Crocco.
La madre di Lucio Dalla ha trascorso alcuni anni per lavoro a Manfredonia, e Lucio ha trascorso parecchi anni della sua infanzia nella cittadina pugliese, di cui gli è stata conferita la cittadinanza onoraria.
In condivisione con Francesco De Gregori, è stato onorato con la denominazione dell'asteroide 6114 Dalla-Degregori.
Ha contribuito alla raccolta fondi per i restauri della Basilica di Santo Stefano di Bologna tramite un concerto tenutosi il 5 gennaio2011.[32][33]
Discografia

Per approfondire, vedi la voce Discografia di Lucio Dalla.
33 giri e CD
1966 - 1999 (ARC, SA 16)
1970 - Terra di Gaibola (RCA Italiana, PSL 10462)
1971 - Storie di casa mia (RCA Italiana, PSL 10506)
1973 - Il giorno aveva cinque teste (RCA Italiana, DPSL 10583)
1975 - Anidride solforosa, (RCA Italiana, TPL 1-1095)
1975 - Bologna 2 settembre 1974 (dal vivo), (RCA Italiana, TCL 2-1110; con Francesco De Gregori, Antonello Venditti e Maria Monti)
1976 - Automobili (RCA Italiana, TPL 1-1202)
1977 - Come è profondo il mare (RCA Italiana, PL 31321)
1979 - Lucio Dalla (RCA Italiana, PL 31424)
1979 - Banana Republic (RCA Italiana, PL 31466; con Francesco De Gregori)
1980 - Dalla (RCA Italiana, PL 31537)
1981 - Lucio Dalla (Q Disc) (RCA Italiana; PG 33420)
1983 - 1983 (RCA Italiana, PL 31692)
1984 - Viaggi organizzati (Pressing)
1985 - Bugie (Pressing)
1985 - Lucio Dalla Marco Di Marco (Fonit Cetra, ALP 2008; inciso insieme a Marco Di Marco)
1986 - DallAmeriCaruso (RCA Italiana)
1987 - Per gioco e per amore RCA
1988 - Dalla/Morandi (RCA, con Gianni Morandi)
1988 - In Europa (Ariola, con Gianni Morandi)
1990 - Cambio (Pressing)
1991 - Geniale? (RCA; registrazioni dal vivo del 1969-1970 con alcuni inediti)
1992 - Amen (Pressing; dal vivo)
1993 - Henna (Pressing)
1996 - Canzoni
1997 - Torino Milano E Dintorni (Rca Italiana [Rca Italiana])
1999 - Ciao
2000 - Live @ RTSI (registrazioni dal vivo del 1978)
2001 - Luna Matana
2002 - Caro amico ti scrivo
2003 - Lucio
2006 - 12000 lune
2007 - Il contrario di me
2008 - LucioDallaLive - La neve con la luna
2009 - Angoli nel cielo
2010 - Work in Progress (con Francesco De Gregori)
2011 - Questo è amore
45 giri
1964 - Lei (non è per me)/Ma questa sera (ARC, AN 4008)
1965 - L'ora di piangere/Io al mondo ho solo te (ARC, AN 4037)
1966 - Paff... bum!/Io non ho pianto mai così (ARC, AN 4072)
1966 - Questa sera come sempre/Io non ci sarò (ARC, AN 4084)
1966 - See-saw/Cool jerk (ARC, AN 4091, pubblicato come The Group)
1966 - Quando ero soldato/Tutto il male del mondo (ARC, AN 4101)
1967 - Bisogna saper perdere/Lucio dove vai (ARC, AN 4113)
1967 - Non è un segreto/Passerà passerà (ARC, AN 4119)
1967 - Il cielo/1999 (ARC, AN 4128)
1968 - E dire che ti amo/Se non avessi te (ARC, AN 4148)
1968 - Hai una faccia nera nera/Cos'è Bonetti? (ARC, AN 4154)
1969 - Per fare un uomo basta una ragazza / ...e invece no (ARC, AN 4171)
1970 - Sylvie/Orfeo bianco (RCA Italiana, PM 3522)
1971 - 4-3-1943/Il fiume e la città (RCA Italiana, PM 3578)
1971 - La casa in riva al mare/Itaca (RCA Italiana, PM 3588)
1971 - Il colonnello/Il gigante e la bambina (RCA Italiana, PM 3610)
1972 - Piazza Grande/Convento di pianura (RCA Italiana, PM 3638)
1972 - Sulla rotta di Cristoforo Colombo/Un uomo come me (RCA Italiana, PM 3651)
1974 - Anna bell'Anna/Pezzo zero (RCA Italiana, TPBO 1003))
1975 - Anidride solforosa/Tu parlavi una lingua meravigliosa (RCA Italiana, TPBO 1105)
1976 - Nuvolari/Il motore del duemila (RCA Italiana, TPBO 1189)
1977 - Quale allegria/Il cucciolo Alfredo (RCA Italiana, PB 6157)
1978 - Ma come fanno i marinai/Cosa sarà (RCA Italiana, PB 6265; con Francesco De Gregori)
1981 - Cara/Balla balla ballerino (RCA Italiana, PB 6507)
1988 - Dimmi Dimmi/Pomeriggio in ufficio (RCA Italiana, PB 42251)
Partecipazioni
1962 con la Seconda Roman New Orleans Jazz Band: Telstar/Madison: a swingin' time (RCA Italiana, PM 3164)
1975 nell'album collettivo dal vivo Trianon '75 - Domenica Musica: Passato, presente(RCA Italiana)
1976 nell'album Progetto per un inno l'internazionale di Mario Schiano (canta L'Internazionale insieme a Antonello Venditti e Francesco De Gregori
1977 nell'album L'Eliogabalo di Emilio Locurcio
1985 suona clarino e sax nel Qdisc "RAPEZZI" di Ugo Rapezzi prodotto da Sergio Bardotti.
1990 nell'album collettivo live dedicato a Piero Ciampi Te lo faccio vedere chi sono io interpreta Ha tutte le carte in regola' (edizioni Blu) - serata ripresa integralmente in TV
2005 nel DVD Pierino e il lupo di Sergej Prokofiev, prodotto da Fabula Classica (voce narrante e regista)
2007 nell'album Ci sono cose di Ricky Portera Co-Prodotto da Maurizio Silvestri, dona la voce a servizio di un suo grande successo "La sera dei miracoli"
2009 nell'album Extended Play 2009 della band SpaccailSilenzio in veste di clarinettista su "Da questo muro"
Duetti
Con Ana Belén: Canción (cover di Canzone) - Respondeme
Con Edoardo De Angelis Sulla rotta di Cristoforo Colombo (Fonit Cetra, 1992)
Con Elio e le Storie Tese: Psichedelia
Con Fabio Concato: 051-222525 (live)
Con Francesco De Gregori: 4/3/1943 - Addio a Napoli - Banana Republic - Ma come fanno i marinai - Quattro cani - Un gelato al limon (inBanana Republic, 1979); Ma come fanno i marinai (45 giri); Cosa sarà (45 giri)
Con Gianni Morandi: Dimmi dimmi - Vita
Con Gianni Morandi e Francesco Guccini: Emilia
Con Gigi D'Alessio: Medley live TV 2002
Con Gigi D'Alessio, Gigi Finizio e Sal Da Vinci: Napule (in Quanti amori di Gigi D'Alessio, 2004)
Con Gigi D'Alessio, Gigi Finizio e Sal Da Vinci: Caruso (Live Piazza Plebiscito 30-09-2005 Diretta Rtl)
Con Julio Iglesias: Caruso (Dalla interviene nel finale)
Con Loredana Errore: Anna e Marco
Con Luciano Pavarotti: Caruso
Con Luciano Pavarotti, Sting, Brian May, Zucchero: La donna è mobile
Con Mango: Forse che sì, forse che no* (dall'album Ti porto in Africa, 2004)
Con Marco Mengoni: Meri Luis (dall'album Questo è Amore, 2011)
Con Mina: Amore disperato
Con Ornella Vanoni: Senza Fine
Con Pierdavide Carone: Nanì, canzone portata al Festival di Sanremo 2012
Con Renato Zero: La sera dei miracoli (live)
Con Renzo Zenobi: Telefono elettronico
Con Rita Pavone: Pirupirupirulì (dalla colonna sonora del film "Little Rita nel west", 1967)
Con Ron: Le ragazze (in Ma quando dici amore di Ron, 2005)
Con Ron e Francesco De Gregori: Una città per cantare
Con Stadio: Un fiore per Hal (dall'album Stadio, 1982)
Con Tosca: Rispondimi
Video musicali

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Il motore del 2000
Washington
Viaggi organizzati
Caruso
Vita
Attenti al lupo
Amen
Liberi
Canzone
Ciao
Io tra un'ora sono lì
Siciliano
Lunedì
Malinconia d'ottobre
INRI
Anche se il tempo passa (amore)
La leggenda del prode Radames
Filmografia

I sovversivi (1967)
Questo pazzo, pazzo mondo della canzone, regia di Bruno Corbucci e Giovanni Grimaldi(1965)
Altissima pressione, regia di Enzo Trapani (1965)
Europa canta, regia di José Luis Merino (1966)
I sovversivi, regia di Paolo e Vittorio Taviani (1967)
Little Rita nel West, regia di Ferdinando Baldi (1967)
I ragazzi di Bandiera Gialla, regia di Mariano Laurenti (1967)
Franco, Ciccio e le vedove allegre, regia di Marino Girolami (1967)
Quando dico che ti amo, regia di Giorgio Bianchi (1967)
Questi fantasmi, regia di Renato Castellani (1968)
Amarsi male, regia di Fernando Di Leo (1969)
Il santo patrono, regia di Bitto Albertini (1972)
Il prato macchiato di rosso, regia di Riccardo Ghione (1973)
La mazurka del barone, della santa e del fico fiorone, regia di Pupi Avati (1975)
Banana republic, regia di Ottavio Fabbri (1979)
Borotalco, regia di Carlo Verdone (1982)
I picari, regia di Mario Monicelli (1987)
Il frullo del passero, regia di Gianfranco Mingozzi (1988)
Pummaro, regia di Michele Placido (1989)
Al di là delle nuvole, regia di Michelangelo Antonioni (1995)
Dalla mondino, regia di Luca Facchini e Antonio Mondino (1996)
Prima dammi un bacio, regia di Ambrogio Lo Giudice (2003)
Quijote, regia di Mimmo Paladino (2006)
Gli amici del bar Margherita, regia di Pupi Avati (2009)
cortesemente da wikipedia....... ciao grazie mirko dj

Anonimous

2012-02-24T17:35:00.000+01:00

Shakespeare era veramente quello che crediamo? Se lo chiede un anziano su un palco teatrale e così facendo introduce l'inizio di una storia in costume che mette in scena una delle molte tesi sull'identità di questo autore.
Nell'Inghilterra cinquecentesca di Elisabetta I è disdicevole scrivere per il teatro se si è il duca di Oxford, così Edward De Vere paga un attore per assumere lo pseudonimo da lui inventato di Shakespeare e mettere in scena le sue opere spacciandole per proprie, così che possano finalmente essere rappresentate. Il successo è clamoroso, ma nell'ombra qualcuno trama ed è pronto a svelare il misterioso legame che lega il Duca alla regina.
La storia della vera paternità delle opere di Shakespeare è tra le meno note, invece quella di Anonymous è tra le più risapute, quella cioè di un film parabiografico e fantastorico, che ricostruisce un periodo con accuratezza per poter mentire sugli eventi che vi capitarono e le figure che lo abitarono, tagliando la storia di Shakespeare per ritrarla come un dramma shakespeariano.
Ci sono registi che sanno pensare solo in grande, a prescindere da quel che girano, Roland Emmerich è uno di questi. Con Anonymous passa dall'impatto di catastrofi giganti sulle vite di piccoli uomini, all'impatto di figure storiche giganti sulla storia della letteratura. La regina d'Inghilterra, il (forse) vero Shakespeare, l'attore che gli ha prestato le fattezze come le conosciamo oggi e infine William Cecil, potentissimo consigliere di corte, sono i personaggi titanici di un film che mantiene la volontà di Emmerich di affrontare un tema ai massimi livelli.
Certo il regista di Independence day e 2012 non si trova a suo agio con i dialoghi tanto quanto sembra esserlo tra i palazzi che crollano, così ogni tanto qualche ampia visuale a volo d'uccello e qualche corsa a cavallo, hanno il sapore liberatorio dell'ora d'aria di un carcerato.
Tra le mura dei palazzi reali come tra quelle del Globe Theatre, Emmerich sembra sempre rincorrere qualcosa che non trova. Non è il mistero dell'identità di Shakespeare (del quale sembra importare molto poco a questo film fatto solo di certezze) quanto la voglia insopprimibile di definire e mostrare al pubblico ancora una volta il non mostrabile, un personaggio tra i più venerati della storia anglo sassone, l'autore che è la matrice di tutte le dinamiche cardinali del cinema blockbuster hollywoodiano e una delle penne più influenti della narrazione contemporanea mainstream.
Anonymous guarda a Shakespeare come si guarda Godzilla, cercando di farlo entrare tutto in un quadro per coglierne la portata ma non riesce mai a definirne la sua grandezza come vorrebbe. A questo non giova la natura di biopic del film (sebbene molto sui generis), il ritratto è infatti pieno di luci (autentiche) ed ombre (che si rivelano luci mascherate prima che si possa avere un dubbio sul soggetto della storia), ma mai di un'autentico squarcio di grandezza umana o professionale.
Non fosse per la sequenza della folla infervorata dalla rappresentazione del Riccardo III, si direbbe che il film non ha nemmeno amore per le opere shakespeariane.

cd1 cd2

Il gatto con gli stivali

2012-02-19T20:51:00.000+01:00

In un antico borgo spagnolo, Gatto e Humpty Dumpty sono cresciuti come fratelli in un orfanotrofio, col sogno di trovare un giorno i fagioli magici e arrivare all'oca dalle uova d'oro. Nel frattempo, geloso del suo compare più atletico ed amato, Humpty non ha però disdegnato la strada del crimine ed è proprio in occasione di una rapina che qualcosa è andato storto e la loro amicizia si è frantumata. Gatto si aggira da allora come un fuorilegge, in cerca di un modo per ripulire il suo nome, mentre Humpty fa squadra con Kitty Zampe di Velluto, una gattina bella e scaltra. Il destino li rimette un giorno insieme, finalmente sulle tracce dei fagioli magici.
Anche chi non è mai stato fan delle avventure animate dell'orco Shrek, non ha potuto resistere al fascino sornione e birichino del personaggio del gatto, apparso nel secondo capitolo e divenuto in fretta la sola oasi anti-noia all'interno di un franchise in rapido inaridimento. Il film che lo vede protagonista sceglie di non sfiorare nemmeno marginalmente il suo cammino al fianco degli orchi e di ciuchino ma di andare direttamente ad esplorare la sua infanzia e la genesi del personaggio, un po' come hanno fatto recentemente altre saghe cinematografiche, da Star Trek a X-Men.
Mutare terreno, data l'arsura della palude precedente, non sembrava affatto una cattiva idea, quella che non si spiega è la mutazione totale, diremmo genetica, del personaggio. Cosa ne sia stato della pallina di pelo capace di confondere gli avversari sgranando gli occhioni e facendo le fusa per poi tirare fuori gli artigli al momento opportuno, è un mistero senza soluzione. Ritroviamo il gatto trasformato in parte in Zorro, con tanto di cavallo e spada graffitara (e va bene che dietro c'è Banderas ma sembra una presa in giro), e in parte in D'Artagnan, con Milady al seguito. Ciò che non cambia, rispetto alla tradizione di famiglia, è il paesaggio narrativo, ispirato ancora una volta alla fiaba - qui è “Jack e il fagiolo magico” - ma, se possibile, più pretestuoso che altrove.
Per una curiosa legge del contrappasso, così come il gatto con gli stivali aveva a suo tempo rubato la scena ai protagonisti del film che l'ospitava, qui non c'è dubbio che i numeri del gatto siano di gran lunga meno interessanti di qualsiasi cosa faccia il personaggio di Humpty, l'uovo antropomorfo. Handicappato drammaticamente dalla sua forma fisica che lo rende totalmente dipendente dall'aiuto altrui, Humpty è invidioso, morbosamente legato al proprio compagno di giochi d'infanzia, incline a commettere atti fraudolenti e pronto a tradire, ma anche ingegnoso, spassoso e autoironico (la tutina dorata è un colpo di genio): l'unico personaggio che buchi lo schermo e per il quale valga la pena vedere il film.

La chiave di sara

2012-02-15T19:59:00.011+01:00

Parigi, ai giorni nostri. Julia Jarmond, giornalista americana che vive in Francia da 20 anni, sta facendo un’inchiesta sui dolorosi fatti del Velodromo D’inverno, il luogo in cui vennero concentrati migliaia di ebrei parigini prima di essere deportati nei campi di concentramento.

Lavorando alla ricostruzione degli avvenimenti si imbatte in Sara, una donna che aveva 10 anni nel luglio del 1942, e ciò che per Julia era solo materiale per un articolo, diventa una questione personale, qualcosa che potrebbe essere legato ad un mistero della sua famiglia.

A 60 anni di distanza è possibile che due destini si incrocino portando alla luce un segreto che sconvolgerà per sempre la vita di Julia e dei suoi cari? A volte una verità che appartiene al passato comporta un prezzo da pagare nel presente…

Il regista Gilles Paquet-Brenner, classe 1975, ha esordito nel 2001 con “Les jolies choses”, iniziando così a farsi notare nell’ambiente. Un successo più forte è arrivato per lui nel 2003 con “Gomez et Tavarès”, al quale hanno fatto seguito altri tre film, per arrivare a “La chiave di Sara“, il cui titolo originale è “Elle s’appelait Sarah” e che gli ha permesso di ottenere maggiore notorietà arrivando anche all’estero e soprattutto con una protagonista come la Scott Thomas, l’attrice franco-britannica che vedremo in “Bel Ami” e che abbiamo visto in “Quattro matrimoni e un funerale”, “L’uomo che sussurrava ai cavalli” e “Destini incrociati“. La vera consacrazione al pubblico ed anche il primo Oscar sono arrivati con “Il paziente inglese” nel 1997, anno in cui l’attrice ha ottenuto numerosi premi.

Happy Days Visita Militare

2011-06-15T17:37:00.003+02:00

La mitica serie televisiva "HAPPY DAYS"sembra non avere età: è andata in onda in prima visione negli Stati Uniti tra il 1974 e il 1984, e presenta una visione idealizzata della vita americana a cavallo tra gli anni ´50 e ´60, è ambientata a Milwaukee, e imperniata sulle vicende della famiglia Cunningham: Richie, sua sorella Joanie "sottiletta", i genitori Marion e Howard, gli amici Ralph e Potsie, Alfred, e, naturalmente, il mitico Fonzie. Il telefilm ha rappresentato il trampolino di lancio per gli attori della serie: Marion Ross (signora Cunningham) ha interpretato "Love Boat" e "Una mamma per amica", e oggi "Brothers and Sisters"; Tom Bosley, (Howard Cunningham) ha partecipato a "La signora in giallo" a fianco di Angela Lansbury, è stato protagonista in "Le inchieste di Padre Dowling" e, al cinema, "Piacere, sono un po´ incinta" con Jennifer Lopez. Henry Winkler si è affermato come produttore di serie TV come Mac Gyver, realizzando poi il cortometraggio a sostegno di Barak Obama per le elezioni presidenziali, in cui torna a vestire i panni di Fonzie, mentre Ron Howard, che ha curato la regia, impersona di nuovo Richie Cunningham.Howard, come produttore e regista, ha firmato "Cocoon", "Splash, una sirena a Manhattan", "A beautiful mind" e "Angeli e demoni".
Visita militare (The Physical) è l'episodio 4x20 della serie Happy Days. E' diretto da Jerry Paris, Frank Buxton, Mel Ferber, George Tyne e scritto da Fred Fox Jr., William Bickley, Bob Brunner, Brian Levant. La data della prima trasmissione originale è 22.02.1977.
Richie, Potsie e Ralph vanno insieme a fare i controlli medici per il servizio militare, incontrandosi con Fonzie. Il sergente, un militare severo e autoritario, si scontra subito con Fonzie, che viene consolato da un'infermiera carina.

up

2011-06-15T16:34:00.003+02:00

Liberamente ispirato a Don Chisciotte di Cervantes. Il film racconta le avventure di Carl Fredricksen, un uomo di 78 anni che ha passato la sua intera vita a sognare di esplorare il mondo, vivendo la vita al massimo. Ma alla sua età, sembra che la vita gli sia già passata davanti da un pezzo finché il destino (insieme a Russell, un bambino di 8 anni con tanta voglia di esplorare) gli darà una seconda occasione.

Segreti di famiglia

2011-06-15T16:31:00.001+02:00

Benjamin, che sta per compiere 18 anni, va a cercare a Buenos Aires il fratello Angelo (che tutti conoscono come Tetro dall'abbreviazione del cognome). Tetro ha rotto da tempo i ponti con la famiglia e in particolare con il padre Carlo (musicista di fama mondiale) e ora vive con Miranda facendo il tecnico delle luci in un teatrino locale e scrivendo testi che non piacciono ad Alone, la più importante e potente critica letteraria del Paese. L'incontro tra i due è conflittuale: Tetro non vuole davvero più avere rapporti con i familiari anche se in passato, nel momento in cui era fuggito dalla casa paterna, aveva lasciato una lettera a Benjamin in cui prometteva di tornare per portarlo via con sé e proteggerlo.Francis Ford Coppola realizza il terzo lunngometraggio completamente suo (nel senso che ne ha scritto anche soggetto e sceneggiatura) dopo The Rain People e La conversazione. Si percepisce sin dalla prima inquadratura in uno splendido bianco e nero (il dettaglio del volto di Tetro che osserva una falena che sbatte ripetutamente contro una lampadina) che in questo film c'è la voglia da parte del regista di guardare dentro se stesso e la propria vita. È quello che fa quasi con spudoratezza offrendoci anche una sintesi del suo modo di concepire il cinema. Sul piano personale questa vicenda, in cui i legami familiari finiscono con il rivelarsi più forti di qualsiasi tentativo di alienarli, non manca di riferimenti diretti alla vita del regista. Padre e zio musicisti come nel film, famiglia sempre al seguito ovunque e, sicuramente, la sua stessa figura di padre/padrone dominante. Non è forse un caso se la figlia Sofia ha esordito come regista con Il giardino delle vergini suicide in cui i rapporti tra genitori e figlie non erano certo tra i migliori. In proposito Coppola ha dichiarato che nulla di ciò che si vede in Tetro è successo ma che però è tutto vero. Ma ciò che ancor più conta è il modo in cui Coppola dichiara il suo amore per un cinema che ha alle proprie radici il melodramma classico. Ce lo aveva già mostrato ne Il Padrino. Parte terza e ce lo ricorda ora con una vicenda in cui il colpo di scena è sempre in agguato e la musica classica gioca un ruolo non indifferente. Ma ci sono anche i ragazzi di Rumbe Fish in Tetro con la loro adolescenza tormentata (non a caso Il regista aveva pensato a Matt Dillon come protagonista anche se poi la scelta di Vincent Gallo qui si rivela vincente). C'è un padre che vampirizza il figlio come neanche Dracula avrebbe saputo fare. C'è la lettura in filigrana della scrittura come terapia (e cosa ha fatto in questo caso Coppola se non anche scrivere il film?). E c'è una situazione quasi speculare a quella vissuta dal protagonista di La conversazione. Così come in quel caso l'intercettatore diveniva preda del suo stesso spiare così qui Benjamin, decodificando i manoscritti di Tetro, ne porta alla luce il rimosso ma, al contempo, rischia di finire egli stesso preda di una realtà troppo pesante per poter essere sostenuta. In chiusura un suggerimento che ogni tanto si rivela necessario: cercate di non farvi raccontare lo snodo della vicenda. Finireste col guardare la falena dalla parte sbagliata.

X Men Le Origini Wolverine

2011-06-15T16:27:00.003+02:00

Sulle montagne rocciose canadesi, Logan cerca la pace dopo un secolo di guerre e violenza. Silverfox lo ama e lo incoraggia a dar retta alla propria natura umana e a tenere a bada la forza sovrumana e mutante che è in lui, ma il brutale assassinio della donna da parte del fratello Victor, riporta inevitabilmente Logan nelle mani di Stryker, che vuole fare di lui l'Arma X, una macchina da guerra indistruttibile. Nel corso di un'operazione d'indicibile sofferenza, lo scheletro di Wolverine viene rivestito di adamantio e ne esce un essere invulnerabile, il più micidiale degli esperimenti di laboratorio che Stryker sta operando sui mutanti: un cuore di dolore dentro un'impalcatura di rabbia, in attesa di rivolgere la propria furia contro il giusto nemico. Brian Singer aveva coccolato il personaggio di Wolverine, gli aveva dato fascino, mistero, sofferenza. Gli aveva offerto spazio e aperto per lui una fessura sul passato. Gavin Hood non fa di meglio. Apre all'insegna del trauma e della notte, con un prologo che resterà, però, un piccolo cortometraggio a sé stante, nel quale il piccolo Logan uccide il suo vero padre, non intuendone l'identità, e si dà alla prima delle tante fughe da se stesso. Il seguito è un'irrisolta ricerca delle giuste proporzioni, tra azione e sentimento, racconto e allusione, sfaccettature ironiche e appiattimenti unidimensionali. La carica animalesca che fa di Logan un diverso fra i diversi è ciò che resta più d'ogni altra cosa fuori scena e, se non fosse per Liev Schreiber nelle vesti di Sabretooth, la cui presenza scenica è una vera e propria forza sulla quale Hugh Jackman può far leva per goderne di riflesso, la sensazione rischierebbe di essere quella di trovarsi di fronte ad un sottosviluppo di Wolverine, anziché al racconto del suo perfezionamento. Hood e Benioff hanno mescolato le carte del fumetto e sul campo si contano vinti e vincitori: Deadpool e Gambit sanno farsi apprezzare, Blob e Emma Frost si fanno sprecare, Ciclope si salva fortuitamente. Wolverine è un buon film d'azione, che non si sottrae alla domanda di approfondimento che il genere porta recentemente e piacevolmente con sé nella sua declinazione supereroistica, ma risponde in maniera intermittente, balbettante, per cui non mancano le buone battute ma all'interno di un percorso senza imprevisti e non difetta qualche bella sequenza - specie nella prima parte, con le gesta del Team X - ma nemmeno il già visto. Gli artigli di osso sono stati convertiti in spade di adamantio ma non aprono squarci memorabili, fanno giusto qualche graffietto. La vendetta ai Vendicatori.

Apollo 13

2011-06-15T16:24:00.003+02:00

Dal libro Lost Moon (1992) di Jim Lovell e Jeffrey Kluger. L'11-4-1970, lanciata dal razzo Saturno V, la navicella Apollo 13 con tre astronauti americani a bordo si dirige verso la Luna, ma un guasto tecnico costringe i tecnici della NASA a Houston a improvvisare un piano d'emergenza per fare rientrare Jim Lovell, Fred Haise e Jack Swigert. La miscela dell'avventura reale con l'immaginario della SF innesca un corto circuito di memorie, di film e di storia in cadenze di thriller spaziale, impregnato di orgoglio yankee (“Non abbiamo mai perso un americano nello spazio, non cominceremo adesso.”) 2 Oscar per il montaggio e per il sonoro.

La volpe e la bambina

2011-06-15T16:05:00.003+02:00

Una bambina dai capelli rossi, nelle sue passeggiate nel bosco incontra una volpe, impara a conoscerla e amarla. La volpe e la bambina è una storia sull'amicizia, tra uomo e animale e sui limiti di un rapporto che spesso sfocia nella possessione. Dopo aver mostrato l'umanità dei pinguini in una marcia da Oscar (La marcia dei pinguini, 2005) Luc Jacquet racconta una favola in maniera tradizionale, ispirandosi in parte al "Piccolo principe", pur senza quel fondo di malinconia che marca l'opera di Saint Exupery, e molto a Walt Disney. Impossibile restare indifferenti ai paesaggi maestosi di boschi e montagne. Certo, il messaggio di Jacquet è fin troppo esplicito e pedagogico. La voce fuori campo sembra ridondante anche per i bambini (di cui sottovalutare l'acume è senza dubbio un passo falso) e la pedanteria con cui la narrazione rende ogni passo moralistico, oltre che inutile, disturba la percezione del film. Ma l'interesse de La volpe e la bambina, al di là dell'amore per la natura che trasmette, è per il modo in cui la presenta. Dando giustamente per scontato il valore del messaggio, il film suggerisce la contemplazione, lenta e posata, dei ritmi della foresta e della vita degli animali. Jacquet prende il suo tempo per filmare i paesaggi che ama, lascia sprofondare gli occhi nei boschi e abituarli all'oscurità delle grotte. Il raccoglimento solitario della bimba nella natura, alla scoperta di una vita sconosciuta anche se vicina, ha un qualcosa di sorprendentemente inattuale. Nella frenesia e frammentarietà del mondo dell'immagine contemporaneo, la concentrazione che richiede La volpe e la bambina, soprattutto per i più piccoli, non può che far piacere.

Moulin Rouge

2011-06-15T15:52:00.002+02:00

Parigi. 1899. Satine è la star del Mouilin Rouge, la cortigiana più desiderata ma anche pronta a vendere i propri favori al miglior offerente. Finché un giorno arriva da fuori il giovane e timido scrittore Christian che si innamora, corriposto, di lei. Ma, c'è un "ma". Interessato a Satine e' anche un ricchissimo conte che è pronto, pur di averla in esclusiva, a farla diventare un'attrice e ad assumersi il carico delle spese per un rinnovo totale del locale. In agguato, poi, c'è il "mal sottile": la tubercolosi. Luhrmann (ricordate Ballroom e Romeo + Juliet?) continua nel proprio percorso di originale contaminazione di generi. Questa volta fagocita un plot "tipo Traviata" e lo immerge in una scenografia iperartefatta e kitch. Ma fa di più: gioca con l'abilità (e le voci) della Kidman e di McGregor per mescolare stili e generi musicali. Accade così che Satine entri in scena dall'alto cantando Diamonds are a girl's best friends (Marylin) per interpolarlo con Material Girl (Madonna). Che Ewan intoni piu' volte My Song di Elton John e che poi ci sia dato di ascoltare canzoni dei Queen, di Sting, Paul McCartney. Il tutto senza perdere di qualità e di attrattività e senza mai far diventare il gioco sterile.

007 MOONRAKER OPERAZIONE SPAZIO

2011-06-15T15:47:00.003+02:00

Dal romanzo di Ian Fleming: 007 deve fermare lo scienziato pazzo di turno che vuole uccidere, con proiettili di gas nervino sparati dal suo santuario spaziale, l'intera umanità, sostituendola con una razza al suo servizio. Il vero asso è anche qui – come in quasi tutto il ciclo Bond – lo scenografo Ken Adam che si scatena più che mai. Dialoghi quieti e personaggi un po' scoloriti.

Happy Days Fonzie Si Sposa

2011-06-15T15:37:00.002+02:00

I favolosi anni ’50. Gli anni dei jukebox, del rock’n’roll, della musica di Buddy Holly ed Elvis Presley; gli anni della “grease” sui capelli, dei balli universitari di fine anno, delle pomiciate nei drivein; dei giubbotti di pelle con il bavero alzato, del chewinggum schiacciato sotto il banco, dei primi televisori accesi nei salotti. I giorni di un’America politically correct, di una provincia americana sana e rassicurante dove si respirava il profumo delle torte di mele fatte in casa e dove i cattivi s’impomatavano di brillantina e si facevano chiamare “Teddy boys”. Nato nella stagione 1974’75 sull’onda di un revival degli anni ’50 che stava contaminando produzioni cinematografiche e televisive, il serial doveva da principio raccontare la vita dell’All American boy Richie Cunningham (Ron Howard), ingenuo e goffo studentello della Jefferson High School di Milwaukee, nello stato del Wisconsin. Ma il successo raccolto da un personaggio di “contorno” spinge i produttori ad allargare il campo di ripresa su un’America apparentemente felice, dove non esiste la “guerra fredda” e dove l’omicidio Kennedy non sarebbe mai potuto avvenire. E così, nel giro di poche puntate, l’eroe della serie diventa Arthur Fonzarelli detto Fonzie (Henry Winkler, che per questo ruolo ha vinto due Golden Globes): giubbotto di pelle, duro ma con il cuore d’oro, pollice alzato o verso per decretare l’ok o il diniego, questo meccanico dai modi spicci (soprattutto con le ragazze che gli cadono ai piedi) si rivela essere il “maestro di vita” per Richie, i suoi amici “pivelli” e, un po’, per tutti i telespettatori. Ma il successo di Happy Days va cercato anche nei personaggi secondari: la famiglia Cunningham, perbene fino alla nausea, è composta dai coniugi Howard (Tom Bosley) e Marion (Marion Ross), nonché dalla sorellina Joanie (Erin Moran) detta “sottiletta”; l’idiota Potsie Weber (Anson Williams); il ridanciano Ralph Malph (Donny Most), che si autodefinisce “l’uomo più divertente del mondo”; Arnold alias Matsuo Takahashi (Pat Morita), di origini giapponesi, il proprietario di Arnold’s, il dinerin forse più famoso dell’immaginario, dove le cameriere prendono le ordinazioni sugli schettini con l’immancabile cicca in bocca e la matita dietro l’orecchio; Alfred DelVecchio detto “Al” (Al Molinaro), destinato a prendere il posto di Arnold nella gestione del locale al centro delle vicende. Successivamente entra a far parte del cast Scott Baio nei panni di Charles Arcola detto “Chachi”, il cugino di Fonzie che s’innamora di Joanie e la trascina in un serial tutto loro (Jenny e Chachi); il telefilm ideato da Garry Marshall ha dato vita ad altri due spin-off: Laverne e Shirley (1976), dove si accendono i riflettori sulle due protagoniste del titolo, operaie in una fabbrica di tappi di bottiglie di birra e Mork e Mindy (1978), in cui l’extraterrestre MorkRobin Williams, mandato sulla terra per rapire Richie, acquista una sitcom tutta sua. Quando Ron Howard e Donny Most decisero di lasciare la serie la produzione inventò che Richie e Ralph si erano arruolati in Marina; il giovane Cunningham si fa vivo saltuariamente per telefono con la neomogliettina Lori Beth (Lynda Goodfriend), destinata a dare alla luce Richie jr.. Non mancano le apparizioni nelle vesti di guest stars di numerose rockstar, come quella di Suzi Quatro nei panni di Leather Tuscadero, una diva del rock; Tom Hanks appare in un cameo nella puntata 216; tra gli altri ospiti di passaggio si fanno notare Frankie Avalon nei panni di sé stesso, Cheryl Ladd, Dick Van Patten, Morgan Fairchild, Larry Poindexter, Katherine Kelly Lang. Prima della fine, Richie torna a Milwaukee per poi tentare fortuna come scrittore a Hollywood mentre Lori Beth è in attesa di un altro figlio, Fonzie compra casa – abbandona il monolocale sopra il garage dei Cunningham – e adotta un orfano; Joanie e Chachi finalmente si sposano; Howard e Marion, con entrambi i figli accasati, ringraziano i telespettatori di aver fatto parte della loro famiglia. Thomas L. Miller, Edward K. Milkis e lo stesso Marshall firmano da produttori esecutivi. L’idea del film American Graffiti venne a George Lucas quando vide la puntata-pilota del serial, in onda in America il 25 febbraio del 1972 con il titolo Love and the Happy Day all’interno dell’antologia Love, American Style: nel primo “giorno felice” Howard Cunningham era interpretato da Harold Gould, mentre “sottiletta” Joanie aveva il volto di Susan Naher. La scelta di ambientare la storia negli anni ’50 è stata spiegata così da Marshall: “Se metti in piedi una trasmissione sui giovani senza parlare di spinelli e sesso, la gente dice che non è realistica. Ambientando tutto nel passato ti puoi permettere di non affrontare certi temi. È stato un grande vantaggio. Quando Richie si limita a desiderare di dare il bacio della buonanotte, diventa credibile perché a quei tempi il senso morale era diverso”. Di notevole impatto anche la colonna sonora fifties curata da Charles Fox, dalla canzone “Happy Days” cantata da Pratt&McClain, Brother Love e da Anson Williams (che vendette 120.000 copie in sole due settimane e raggiunse il quinto posto delle classifiche di “Billboard” nel 1976) alla versione originale di “Rock Around the Clock”di Bill Haley & His Comets, senza dimenticare gli hit anni ’50 e ’60 di Fats Domino, Connie Francis, Johnnie Ray, Kay Starr. La casa della famiglia Cunningham è situata a Los Angeles, al 565 di Cahuenga Boulevard. Nel 1983 tutto il cast del telefilm ha fatto visita in parata a Milwaukee, alla presenza di 150 mila cittadini; a Tom BosleyHoward Cunningham sono state consegnate le chiavi della città. Nel corso della serie, Fonzie passa con disinvoltura dal sellino dell’Harley Davidson, di casa a Milwaukee, a quello di una Triumph, il modello che gli permette di compiere il record nel salto di bidoni (14). Nel 1998 l’attento fan club italiano ha scovato un ciclo “fantasma” – il decimo, il penultimo – mai trasmesso in Italia, successivamente programmato da Canale 5. Nel 1999 ha debuttato a Londra l’Happy Days Musical, con Henry Winkler quale consulente creativo. A riprova del successo evergreen del serial emergono due titoli significativi attribuiti dal sondaggio dell’Accademia dei Telefilm nel 2004, in occasione dei 50 anni della tv italiana e a 30 dal debutto della serie: Fonzie è risultato “il personaggio più indimenticabile dei telefilm di tutti i tempi”, mentre i Cunningham sono stati scelti come “la famiglia preferita di sempre”.

BOB MARLEY & THE WAILERS - Natty Dread (Island, 1974)

2011-06-15T15:11:00.002+02:00

BOB MARLEY & THE WAILERS - Natty Dread (Island, 1974)
Lo storico nucleo dei Wailers si divide in cerca di successi solisti, dunque adesso la strada è spianata davanti a Bob, infatti, dalla sua penna escono brani fondamentali per la diffusione del Reggae nel mondo. Rispetto al sound che scorre nelle vie e negli studi improvvisati di Kingston, in questo disco c'è una maggiore pulizia e nitidezza, ma la produzione di Chris Blackwell – patron della casa discografica Island – è comunque molto attenta a non sciupare l'energia e la verità di cui Marley, con il suo carisma profetico e la grande sensibilità poetica, è messaggero. Realizzato con il supporto vocale delle I-Threes, dove figura la moglie Rita, questo album – una pietra miliare della musica – offre una strepitosa serie di canzoni che dalla profonda Giamaica sono giunte al top delle classifiche di tutto il mondo. Basti pensare all'inarrivabile No woman, no cry e poi ancora a Them belly full, Rebel music, Talkin' blues, Revolution.

Bob Marley - Jammin.mp3

Biografia di Vasco Rossi

2011-06-15T14:50:00.000+02:00

Biografia di Vasco Rossi
Vasco Rossi nasce il 7 febbraio 1952 a Zocca, cittadina di qualche migliaio di abitanti sull'Appennino tosco-emiliano. La madre, notate le sue capacità canore, lo incoraggia a seguire delle lezioni di canto a Modena, dal maestro Bononcini; a 14 anni forma il suo primo complesso, i Killer, poi trasformati in Little Boys. Alla fine delle scuole medie lascia Zocca per frequentare le superiori in un collegio di Modena, l'Istituto San Giuseppe; dopo un anno prosegue gli studi di ragioneria a Bologna fino al conseguimento del diploma. Si iscrive alla facoltà di economia e commercio e l'anno successivo passa a pedagogia. Avendo difficoltà a integrarsi nell'ambiente bolognese, torna spesso a Zocca, dove insegna applicazioni tecniche nella locale scuola media.
Nel 1975 fonda nel suo paese natale una delle primissime radio private, Punto Radio, impegnandosi come deejay per circa quattro anni; l'emittente incontra grande successo (anni dopo verrà venduta per problemi finanziari) e proprio in questo periodo Vasco Rossi inizia a comporre le prime canzoni. Infatti, nel 1977 pubblica il suo primo 45 giri Jenny/Silvia e nel 1978 per l'etichetta Lotus il primo album Ma cosa vuoi che sia una canzone, che non riscuote molto successo. Intanto Vasco stringe importanti amicizie musicali che dureranno per sempre, con i chitarristi Massimo Riva e Maurizio Solieri, e con il cantante e tastierista del gruppo bolognese degli Stadio, Gaetano Curreri. Il secondo album dell'artista esce nel 1979 e si intitola Non siamo mica gli americani!, anche questo lavoro come il precedente non raccoglie grandi consensi nonostante contenga una delle sue più note canzoni d'amore, l'amatissima da più generazioni e quindi intramontabile, Albachiara. Un classico.
Nello stesso periodo scompare improvvisamente suo padre, un episodio che colpisce profondamente il giovane artista, che d'ora in poi decide di dedicarsi a tempo pieno alla carriera musicale.
Nel 1980 incide per l'etichetta Targa l'album Colpa d'Alfredo, nel quale l'operato di Vasco si fa più convincente e la title-track, insieme all'impostazione del suono, più appassionato e deciso, fanno di lui un artista promettente su cui puntare. I testi di questo LP sono provocatori e ironicamente volgari, soprattutto nei confronti dell'universo femminile, e proprio per questo la sua esibizione nel dicembre dello stesso anno alla trasmissione RAI Domenica In, fa scatenare le polemiche della critica musicale e di costume più bigotta, che cade nella facile provocazione dell'artista. Tutto ciò procurerà involontariamente a Vasco Rossi, un'inattesa pubblicità. Sempre nel 1980 parte la sua prima tournée, che lo vede impegnato dal vivo al fianco della Steve Rogers Band. Con l'inizio del nuovo decennio per l'artista emiliano arriva una certa popolarità.
Nel 1981 esce su etichetta Carosello il 33 giri, Siamo solo noi, e la produzione di Guido Elmi affina il repertorio del rocker melodico di Zocca, infatti, adesso Vasco è più riconoscibile e le sue canzoni offrono sprazzi anche autobiografici, nei quali è facile identificare il carattere molto particolare, originalissimo, di rocker d'autore. Dunque con questo disco si consolida il personaggio del ribelle sospeso tra romanticismo e trasgressione, tanto che inconsapevolmente o no, in quel periodo Vasco rimane prigioniero di questa immagine, preferendo la notte al giorno e pagando poi di persona l'uso e l'abuso di alcol e droghe.
Nel 1982 pubblica l'album Vado al massimo, dove vitalismo e noia, rock, droga e amore, disincanto e inquietudine fanno emergere dall'intero Long-Playing un ritratto da gioventù bruciata, uscita dalle illusioni degli anni 70. Un disco pieno di ironia – con un abile equilibrio tra elettricità, immagini dure e spigolose, e la melodia della canzone all'italiana – che viene pubblicato dopo l'interpretazione del brano Vado al massimo al Festival di Sanremo dove si piazza all'ultimo posto, e che contiene, oltre all'omonima, altre canzoni cult del pop-rock melodico italiano come: Canzone, Splendida giornata, La noia e Ogni volta con la quale, sempre nel 1982, Vasco è proclamato “rivelazione dell'anno” al 13° Premio Nazionale del Paroliere.
In questo stesso periodo incontra uno dei principali artefici del suo successo, il musicista Tullio Ferro, che in venti anni compone per Vasco Rossi le musiche di Splendida giornata, La noia, Vita spericolata, Brava Giulia, Liberi... liberi, Vivere, Ormai è tardi, Stupendo, Gli angeli, Stupido Hotel e Siamo soli.
Nel 1983 Vasco si ripresenta alla rassegna sanremese e canta quasi barcollando Vita spericolata, canzone che diventa un vero e proprio inno giovanile, contenuta nell'album Bollicine (1983) che vende oltre un milione di copie. Questo 33 giri rappresenta un lavoro centrale per l'avventura del rock italiano, infatti, Vita spericolata è un'icona generazionale che sbalordisce l'impellicciata platea sanremese, indigna i critici moralisti e delude le giurie festivaliere che la confinano in fondo alla graduatoria. Ma forse proprio perché indiscutibilmente vicina ai giovani e lontana dal perbenismo, diventa un inno di massa, tramutando il cantastorie di Zocca in un vero profeta. Nella playlist del Long-Playing figurano tra le altre anche l'ironica Bollicine – satirica nei confronti del mondo della pubblicità – e la romantica e intimista Una canzone per te.
Sempre nel 1983 stravince il Festivalbar e l'anno successivo pubblica il suo primo album live Va bene, va bene così (1984), che prende il titolo dall'unico brano inedito. Si tratta dunque di un Long-Playing antologico, riassuntivo dei primi anni di carriera musicale di Vasco, quelli da cantautore “maledetto”, con all'interno nove titoli di alta qualità dall'ottimo spessore nei testi e dal notevole impianto musicale; registrato tra Verona, Bologna e Cantù, con il supporto della Steve Rogers Band dove svettano le chitarre di Massimo Riva e Maurizio Solieri, sempre con un grandioso successo di pubblico.
Nel 1985 esce l'album Cosa succede in città, con il quale il discorso di Vasco si fa più articolato, infatti, qui si alternano l'ironia sul tema della droga, la rabbia verso un mondo disumanizzato e ipocrita, il romanticismo di brani come Toffee, Una nuova canzone per lei, Dormi dormi.
Nel 1987 incide C'è chi dice no, che con le intense Vivere una favola e C'è chi dice no, formalizza il suo ruolo di oppositore disarmato contro l'ipocrisia e il moralismo bigotto della società. E' dunque un disco più ragionato rispetto a quelli passati, nel quale si avvale di una lunga lista di collaboratori: oltre a Tullio Ferro anche Massimo Riva, Maurizio Solieri, Rudy Trevisi e lo stesso produttore Guido Elmi. All'interno di questo LP è presente anche la suggestiva canzone d'amore, Ridere di te.
Successivamente s'impegna in una lunga serie di concerti e nel 1989 passando alla casa discografica EMI pubblica l'albumLiberi... liberi, con il quale Vasco ribadisce la forza eversiva, oltre che conoscitiva, del dubbio, e rimette in discussione il concetto di libertà predicato in un ventennio di contestazione giovanile. E' l'avvio di una trasformazione che ci darà un Vasco Rossi sempre meno barricadiero e sempre più scettico; un cambiamento anticipato in questo disco dalla consapevolezza della gioventù che sfuma nella nostalgia, della realtà che stritola i sogni, del tempo che scorre e si porta via il meglio di noi. Vasco con questo album è anche produttore di se stesso.
Anche a questo lavoro fa seguito un tour nazionale, che suggerisce a Vasco la pubblicazione di Fronte del palco (1990), live che racchiude i concerti di Milano, settantamila spettatori nello Stadio di San Siro, e di Roma allo Stadio Flaminio.
Negli anni 90 Vasco Rossi dirada gli album di inediti, come molti altri cantautori giunti alla grande popolarità. Dopo l'ennesimo live, 10.7.90 San Siro (1991), il nuovo album, Gli spari sopra, esce nel 1993 conquistando ben dieci dischi di platino e il premio al concorso Vota la Voce, mentre il videoclip del brano omonimo viene girato nel penitenziario abbandonato di Alcatraz. Con questo CD a Vasco non resta che raccontare la fine delle vecchie utopie, come fa in Stupendo, e si affida alla musica come energia che dilaga e pervade, unica forza positiva in un mondo allo sfascio. Il singolo che dà il titolo all'album, è la versione italiana di Celebrate, potente ballata di fine anni 80, di un gruppo irlandese, gli An Emotional Fish.
Nel 1996 pubblica Nessun pericolo... per te che vende quattrocentomila copie solo nei primi cinque giorni. In questo lavoro, le gioie del focolare prevalgono sulla rabbia e portano una sorta di rassegnata serenità; quasi tutti i brani presentano anche altre firme, del giro degli amici-collaboratori, Elmi, Riva, Ferro. I brani più rappresentativi del disco sono Benvenuto – dedicata al figlio nato da poco – Un gran bel film, Sally e Gli angeli il cui video è stato realizzato con la regia di Roman Polanski. Dello stesso anno è il concerto gratuito offerto a Palermo, con la partecipazione di più di duecentomila persone.
Altro bagno di folla, nel 1998, a Imola dove Vasco canta i brani del suo nuovo album Canzoni per me (1998). In questo CD arriva un Vasco Rossi “cantautore rock intimista”, un disco fatto di pensieri, equamente diviso tra dettagli di quotidianità e riflessioni dal mondo impalpabile dei sentimenti, in cui si riafferma la consapevolezza che sono le illusioni e le emozioni a rendere vivibile la vita. L'anno seguente l'artista emiliano si aggiudica al “Premio Italiano della Musica” i riconoscimenti per migliore tournée e miglior disco, oltre al premio della critica.
Subito dopo esce Rewind (1999), doppio live del concerto di Imola. Sempre nel 1999, vince il Premio Lunezia per il testo della canzone Quanti anni hai, mentre per il tour Rewind vengono venduti quasi seicentoventimila biglietti. Per la fine dello stesso anno pubblica il singolo La fine del millennio, registrato dal vivo nella seconda parte di concerti del Rewind tour, i proventi che giungono dalla vendita di questo disco sono interamente devoluti all'Associazione Massimo Riva, il chitarrista amico e collaboratore dell'artista – leader della Steve Rogers Band – scomparso prematuramente nel giugno 1999.
Nel 2001 esce l'album Stupido Hotel e la critica di settore lo applaude, si tratta di un disco riflessivo, un viaggio nei sentimenti, con canzoni intense, amare e faticose come Siamo soli e Stupido Hotel.
Ogni concerto di Vasco continua ad essere un successo, allo Stadio Olimpico di Roma il 3 luglio 2001 ci sono ben ottantamila fan.
Da segnalare anche la raccolta uscita nella seconda metà del 2002, Vasco Rossi tracks, che scala le classifiche e contiene l'interpretazione live di Generale, la celebre canzone di Francesco De Gregori, affresco poetico contro la guerra.
Passato da tempo dalla “vita spericolata” che cantava nelle sue prime canzoni a quella più ordinaria di marito e padre, dedito agli investimenti nel settore dell'intrattenimento e di certo non più alla sregolatezza e alla ribellione, Vasco Rossi è ormai parte integrante del mondo della musica italiana, infatti, i suoi concerti sono un rito collettivo per vecchi e nuovi fan, per la cui realizzazione si mette in moto una vera e propria industria dello spettacolo.
Autore di testi più che compositore, nessuno meglio di Vasco ha saputo rappresentare il disagio giovanile degli anni 80; e ancora oggi, non più da compagno di stravizi ma da fratello maggiore, riesce a cogliere i malesseri generazionali di sempre: la solitudine, il bisogno d'amore, la voglia di un futuro migliore.

Biografia di Ivan Cattaneo

2011-06-15T14:48:00.003+02:00

Biografia di Ivan Cattaneo
Ivan Cattaneo nasce a Bergamo il 18 marzo 1953 e fino al 1968 vive a Pianico, piccolo paese vicino al lago d'Iseo; frequenta il liceo artistico a Bergamo e nel 1972 si trasferisce a Londra facendo i mestieri più vari. Conosce personaggi di spicco della scena musicale inglese, come David Bowie, Cat Stevens e i Roxy Music, diventando grafico e pittore del Gay Liberation Front e partecipando agli eventi artistici della Londra anni 70. Tornato in Italia, esordisce come cantante e chitarrista nel 1974, al Salone Pierlombardo di Milano (oggi Teatro Franco Parenti), in una serata accanto agli Area, Franco Battiato e De Gregori. Conosce il produttore Nanni Ricordi, che in quel periodo sta formando il cast dell'etichetta alternativa Ultima Spiaggia e per la quale Ivan incide nel 1976 l'album d'esordio Uoaei. I suoi brani più che vere canzoni, sono vocalizzi su musiche originali. Nel 1977 esce l'LP Primo secondo frutta (IVAn compreso), arrangiato da Roberto Colombo; si tratta di un album multimediale, infatti è accompagnato da uno spettacolo teatrale e da un libro sul rapporto tra l'arte e i cinque sensi, anticipando di anni sia le tendenze multimediali sia la cultura gay legata all'estetica dell'immagine. Nel 1978 Cattaneo costruisce il look della emergente Anna Oxa, fino a quel momento una giovanissima cantante pugliese da piano-bar, che proprio in questo anno si imporrà al Festival di Sanremo; l'anno dopo Ivan pubblica Superivan (1979) nel quale l'artista, grazie ai consigli di Colombo, si avvicina alla forma canzone, infatti, l'album contiene brani rock i quali, nonostante gli arrangiamenti sperimentali e di respiro internazionale, hanno in se linee melodiche che si avvicinano allo stile della musica leggera italiana, nascono così delle perle in puro stile Cattaneo, come: Male bello e Bimbo assassino; con l'album successivo, Urlo, che esce nel 1980, firma uno dei suoi maggiori successi come cantautore, l'inno ante litteram alla bisessualità intitolato Polisex. In questo 33 giri, l'atmosfera musicale è tipica dell'elettronica new wave anni 80, fusa con l'acustica delle chitarre, mentre la voce di Cattaneo, dalla timbrica sottile più vicina ai modelli inglesi che a quelli del melodico all'italiana, gioca sui toni alti e sovracuti.
Nel 1981 Ivan Cattaneo vede crescere notevolmente la sua popolarità, passando da cantautore a interprete puro, con l'album2060 Italian Graffiati, una rivisitazione degli hit italiani degli anni 60, che va da Un ragazzo di strada a Una zebra a pois. Dopo la parentesi cantautorale del 1982 con l'album Ivan il terribile, l'anno successivo pubblica Bandiera Gialla (1983), una selezione di cover riarrangiate dal compositore ed esperto di elettronica Roberto Cacciapaglia. Questo Long Playing, ispirato dal conduttore televisivo Red Ronnie e dalla produttrice discografica Caterina Caselli in occasione dell'apertura della discoteca omonima a Rimini, con brani come Bang Bang, Sognando la California, La bambolina che fa no no e Prendi la chitarra e vai, registra un clamoroso successo di vendite.
Complessivamente i due album anni 60 di Ivan Cattaneo, vendono quasi un milione di copie.
Successivamente incide due 45 giri, Quando tramonta il sol (1984) e Dancin number (1985) – pubblicato in Inghilterra – ai quali fa seguito nel 1986 un altro album revival, Vietato ai minori.
Si prende una lunga fase di riflessione, dedicandosi alla sperimentazione poetica e visiva; nel 1989 presenta la mostra d'arte itinerante 100 Gioconde haiku, che espone in diverse gallerie tra Italia e Francia, e all'inizio degli anni 90 si ripresenta sul mercato discografico con il CD di inediti intitolato Il cuore è nudo... e i pesci cantano (1992), una sorta di diario spirituale di Cattaneo, che nel frattempo si è avvicinato alla religiosità orientale. Questo suo ultimo lavoro, presenta arrangiamenti che utilizzano le ritmiche drum'n'bass che diventeranno di moda qualche anno dopo.
Attualmente Ivan lavora al progetto multimediale Zoocietà Duemilanovecento, che dal 2000 propone sotto forma di performancevideomusicali all'interno di gallerie d'arte e rassegne teatrali.
Interprete eclettico dotato di grande presenza scenica, Ivan Cattaneo è uno dei principali esponenti di quell'onda artistica che negli anni 70 accoppiava la canzone d'autore alla sperimentazione elettronica e alla performance teatrale, come faceva già da tempo David Bowie, a cui egli si è inizialmente ispirato. Negli anni Ivan non ha mai perso questa caratteristica, incontrando però diverse difficoltà a riemergere nel mercato discografico italiano, più abituato ai cantanti fotocopia che agli artisti completi.

Biografia di Gianni Togni

2011-06-15T14:48:00.002+02:00

Biografia di Gianni Togni
Gianni Togni è nato a Roma nel 1956. Da giovanissimo impara a suonare la chitarra e il pianoforte come autodidatta.
Nel 1975 esordisce con l'album In una simile circostanza, pubblicato per la IT, con musiche vicine al jazz e testi ermetici.
Successivamente cambia casa discografica, passando alla CGD, e nel 1980 incide il 33 giri intitolato ...E in quel momento entrando in un teatro vuoto, un pomeriggio vestito di bianco, mi tolgo la giacca, accendo le luci, e sul palco, m'invento.... Titolo lunghissimo per un disco che raccoglie ampio successo grazie anche aChissà se mi ritroverai, Maggie e soprattutto Luna, canzone che diventa un hit insuperabile, un classico del pop italiano degli anni 80, e che condizionerà tutta la carriera di Gianni Togni; i testi di questo Long Playing sono scritti interamente da Guido Morra, inizia così un binomio artistico che durerà negli anni.
Nel 1981 Gianni pubblica l'album Le mie strade, nel quale lo stile è sempre quello della canzone leggera e orecchiabile; una formula creativa questa, che funziona molto bene in diversi brani tra i quali Semplice, basti che pensare che il 45 giri di questa canzone e anche l'intero 33 giri che la contiene, sono tradotti in spagnolo ed in inglese.
Bisogna segnalare come in questo periodo Gianni Togni riesca ad ottenere grande successo anche all'estero con le sue canzoni, infatti, gli album pubblicati nel 1980 e '81 e i relativi singoli estratti, Luna e Semplice, vendono milioni di dischi tra Italia, Spagna, Germania, Austria, Svizzera e Sud America; tra l'altro il 1981 é anche l’anno del primo tour come solista, con oltre 100 concerti teatrali che registrano il tutto esaurito.
L'anno seguente esce Bollettino dei naviganti (1982), album autoprodotto, dove nel brano Saremo noi chiama a collaborare il gruppo pop dei Pooh – con cui ha lavorato prima di raggiungere il successo come cantante solista, partecipando a diverse tournée, suonando, tra il 1976 e il 1979, in oltre 300 teatri e stadi in Italia e all’estero – tra le altre canzoni contenute in questo suo quarto album ci sono Il volo delle piume, Pornografia, La sera che ho bevuto troppo e il 45 giri estratto Vivi, il quale insieme all'intero LP arriva perfino in Giappone dove terrà anche un concerto al “Budokan”.
Nel 1983 esce Gianni Togni, che contiene Per noi innamorati, singolo romantico che diventa ben presto famoso e scala le classifiche. Seguono nel 1984 l'album Stile libero e il 45 giri Giulia, brano pop piacevole e orecchiabile che ripubblicato in varie raccolte riscuoterà successo nelle programmazioni radiofoniche anche anni dopo.
Nel 1985 incide il 33 giri Segui il tuo cuore, nel quale spicca la canzone corale E qualcosa c'è; due anni dopo torna sul mercato discografico con l'album Di questi tempi (1987) dove troviamo ottimismo e positività nei brani felicemente orecchiabili,C'è una verità e Siamo una cosa sola.
Nel 1988 esce l'album Bersaglio mobile, dove si nota un certo impegno nella realizzazione a cui partecipano Manu Katchè, Pino Palladino e Mel Collins, nel quale troviamo un delicato arpeggio di chitarra per Nannaré, una forte sezione ritmica per La nube tossica e tanto sax lungo tutto il disco.
Gli anni successivi Gianni Togni li trascorre tra tournée e la produzione artistica di giovani artisti, e solo nel 1993 incide un nuovo album, Singoli, per la casa discografica DSB.
Nel 1994 e '95 oltre ad esibirsi nei suoi concerti, inizia a comporre le musiche di un futuro “primo musical italiano sinfonico” che si chiamerà Hollywood ritratto di un divo – il quale andra in scena nel 1998 con protagonista Massimo Ranieri, un cast di venti cantanti-attori e la regia di Giuseppe Patroni Griffi, diventando subito un successo di critica e pubblico con tre anni consecutivi di repliche – .
Nel 1996 Gianni torna alla CGD e pubblica un album antologico che lo riporta nelle zone alte delle classifiche e con il quale conquista altri dischi d’oro. Il CD, che si intitola Cari amori miei – con due inediti, il brano omonimo e Mi salvo con te che ottengono un buon riscontro radiofonico – contiene i maggiori successi della carriera di Gianni Togni, alcuni dei quali, Luna eSemplice, vengono remixati per l'occasione in modo da avere sonorità più limpide; tra le canzoni migliori contenute nell'album spiccano oltre alle due già citate, Nannaré e Giulia, singolo del 1984 non uscito su LP.
Nel 1997 esce l'album Ho bisogno di parlare, che contiene 11 brani inediti e nel quale diventa autore anche dei testi per varie canzoni, al resto ci pensa Adelio Cogliati.
Gianni Togni non ha mantenuto nel tempo una grande popolarità, però con ogni sua nuova canzone ha saputo essere un bravo artista, fedele ad uno stile semplice e fortemente popolare, quello del pop melodico, della musica leggera italiana che in lui vede un esponente vero e genuino. Per questo i suoi maggiori successi rimangono dei classici che non temono il passare del tempo.
Gianni Togni anche se da tempo ormai non pubblica nuovi dischi, continua ad esibirsi in concerti e lavora nel mondo della musica componendo per musical teatrali italiani ed europei, e occasionalmente scrivendo musiche anche per trasmissioni televisive di Rai e Mediaset.

LA TIGRE E LA NEVE

2011-06-15T14:34:00.001+02:00

Spero che questa storia vi sorprenda, vi distragga, vi inquieti, vi diverta e vi commuova. Forse sono troppe. Vabbè, ma anche una sola di queste già sarebbe una cosa straordinaria per un film". Questo l'auspicio di Benigni che di sicuro verrà soddisfatto. Perché tutte queste reazioni si verificano dinanzi a La tigre e la neve anche se in alternanza tra loro e con qualche spazio intermedio di eccessiva attesa.

Attilio è un poeta che ogni notte sogna di sposare la donna della sua vita, Vittoria, che nella realtà lo sfugge di continuo. Quando lei, partita per un'intervista al più importante poeta iracheno rientrato in patria in prossimità della guerra, verrà gravemente ferita Attilio la raggiungerà e farà di tutto per salvarla. Non ci saranno ostacoli che potranno fermarlo nel tentativo di farla sopravvivere: dalla mancanza di medicinali al posto di blocco in cui verrà ritenuto un terrorista.
È una storia di amore quella che Benigni ci propone questa volta. Quell'amore che, partendo dai singoli, può portare la vita al suo massimo splendore. Il regista e attore toscano non ci offre un film "comico" (anche se le sue usuali gag non mancano) ma una riflessione poetica (di grande qualità la "lezione" sul fare poesia) sul bisogno di speranza che il mondo moderno nutre, anche quando sembra che il cinismo domini. Una speranza che non pretende di abbracciare teoricamente l'umanità ma che parte dal darsi da fare per la concreta salvezza di un essere umano. Magari pregando Allah con un Padre Nostro e nel frattempo cercando di far spostare una mosca dal capezzale di chi sta soffrendo. C'è chi ha braccia così grandi da credere di poter abbracciare il mondo ma troppo corte per accogliere un amico. L'Attilio di Benigni e Cerami è esattamente l'opposto.

PRIMO TEMPO SECONDO TEMPO

Giù per il tubo

2011-06-13T09:58:00.001+02:00

Cosa ci fa Roderick St. James, un nobiltopo che abita in una lussuosa dimora londinese nei pressi di Kensington, in una maleodorante fogna della City? Il nuovo lungometraggio animato firmato Dream Works e Aardaman (l'accoppiata vincente degli Oscar Shrek e Wallace & Gromit), torna sugli schermi con un piccolo gioiello che mescola azione e divertimento alle più sofisticate tecniche animate. Roddy vive gli agi e i lussi di un'esistenza tranquilla fino all'arrivo di Sid, un topo di fogna che salta improvvisamente fuori dal lavandino della cucina. Il piano per liberarsi dell'intruso, subito messo in pratica, si rivela però inefficiente, tanto che lo stesso Roddy finisce giù per lo scarico del water e si ritrova nelle fognature sottostanti. Ed è proprio nell'underground londinese che lo spaurito roditore scopre un mondo parallelo abitato da creature strane e misteriose. Ma il desiderio del maldestro Roddy è uno solo: tornare a casa! Vite parallele, ricchezza e povertà, vermi che cantano canzoni d'amore ma anche ranocchi "reali" con un passato di corte niente meno che al cospetto del Principe Carlo. Inseguimenti, vendette, indagini e ammiccamenti all'attualità - da una futuribile finale di Coppa del Mondo fra Inghilterra e Francia ai gioielli della famiglia reale – tutto concentrato in un'ora e venti di strabiliante comicità. L'odissea del topo borghese - ma senza amici - che vive un ordinata quotidianità e il mondo reale, popolato da varie specie animali e regolato dal caos, è non solo originale e ben riuscita, ma anche meravigliosamente vera come solo un cartoon sa esserlo. Schiere di Ranocchi intenti a sterminare tutto l'albero genealogico dei topi, scarafaggi immersi in letture kafkiane, atmosfere fumettistiche alla Alan Moore, rimandi all'action movie più spinto (le performance di uno 007 davvero speciale) e una dolcissima citazione disneyana, con il povero Nemo alla ricerca del padre. In versione originale, le voci prestate ai protagonisti animati vanno da Hugh Jackman a Kate Winslet, fino ad arrivare a un piccolo cameo di Jean Reno, singolare "prestavoce" di un sofisticato Monsieur Le Ranocchiò, temutissimo mercenario di origini francesi. Se ciò non bastasse – fra equivoci e sardonica allegria – ecco che resta il tempo per guardarsi intorno e infatuarsi di una sensuale ed emancipata topolina. Davvero niente male sconfiggere la noia finendo dritti dritti giù per il tubo!

TERESA LA LADRA

2011-06-13T09:52:00.001+02:00

Italia 1940. Odissea grottesca e patetica di Teresa Numa, nata ad Anzio da famiglia povera e numerosa, che cambia dieci mestieri in sette anni, rubacchia, fa un figlio, passa dal carcere al manicomio, finisce vecchia e sola. 1° dei 3 film di C. Di Palma, operatore di merito passato alla regia al servizio di M. Vitti. Tratto dal romanzo Memorie di una ladra (1972) di Dacia Maraini sceneggiato da Age & Scarpelli, non riesce ad amalgamare i toni della commedia popolaresca con i risvolti dolorosi.

LA SOTTANA DI FERRO

2011-06-13T09:49:00.001+02:00

Per ordine dello Stato Maggiore, un pilota americano deve fare da guida ad una dura e fredda donna generale russa in visita negli Stati Uniti, l'uomo si trova però di fronte ad un'affascinante signora e cerca di sedurla in tutti i modi. titolo originale: The Iron Petticoat

LA CASA DEI FANTASMI

2011-06-13T09:46:00.001+02:00

Un loquace agente immobiliare, in viaggio con la moglie e due figlioletti, si ferma in una grande e antica villa in rovina, abitata dal padrone di casa afflitto da pene d'amore, un maggiordomo inquietante, due servitori e quattro fantasmi. Capita che la moglie e socia d'affari dell'agente sia la sosia di una bella e amatissima castellana morta un secolo prima. Prodotto dalla Walt Disney Pic. che ricicla un vecchio cartoon con Mickey Mouse (The Haunted House, 1929) e l'attrazione “Haunted Mansion” dei suoi parchi a tema. Pessima sceneggiatura di David Berenbaum, zeppa dei più risaputi stereotipi, regia anonima e svogliata di R. Minkoff (Il re Leone). Il folto compartimento degli effetti speciali è al comando del veterano Rick Baker. Diverte poco e fa paura ancor meno. A questi livelli parlare degli interpreti sarebbe come sparare sulla Croce Rossa.

UNA MOGLIE GIAPPONESE

2011-06-13T09:43:00.001+02:00

Chiamato a sostituire un collega malato, ragioniere italiano deve compiere un viaggio in Estremo Oriente che a poco a poco si trasforma in incubo alle prese con la miseria del Terzo Mondo. Dal viaggio torna cambiato. Dal copione di Sònego, abituale sceneggiatore di Alberto Sordi, esce un efficace ritratto di italiano all'estero. G. Polidoro ci mette, di suo, il suo occhio di esperto viaggiatore nelle sequenze su Tokyo, Saigon, Hong Kong, Calcutta.

Vado A Vivere Da Solo

2011-06-13T09:36:00.001+02:00

Giacomino, stanco di fare il figlio di famiglia, va a vivere da solo, ma il suo vicino di casa, il signor Giuseppe, si mette in mente di dargli un'erudizione sessuale che, secondo lui, gli manca. Commedia piccola, facile facile e decorosa che segna l'esordio nel lungometraggio di M. Risi (1951), figlio di Dino, fratello di Claudio, nipote di Nelo.

ASSASSINIO SULL'ORIENT EXPRESS

2011-06-12T20:02:00.001+02:00

Nel 1934 il celebre treno, in viaggio da Istanbul a Calais, è bloccato dalla neve. Viene commesso un omicidio. Il detective Hercule Poirot risolve il caso. Giallo deduttivo-geometrico di Agatha Christie, un enigma tra un cast di tutte star messo in scena con elegante ironia e raffinata bravura. Oscar per l'attrice non protagonista a Ingrid Bergman.

I QUATTRO DELL'OCA SELVAGGIA

2011-06-12T19:50:00.001+02:00

Quattro avventurieri mercenari – tra cui un ex colonnello – sono assoldati per liberare il presidente di Stato africano prigioniero dei golpisti. Robusto e convenzionale, poco attendibile nei suoi risvolti romanzeschi sulla drammatica situazione politica dell'Africa odierna, ideologicamente confuso ed equivoco. Ebbe un seguito nel 1985, anch'esso scritto da Reginald Rose.

COLPO GROSSO

2011-06-12T19:47:00.001+02:00

Danny Ocean con dieci amici organizza un colpo geniale: svaligiare contemporaneamente cinque case da gioco di Las Vegas. Il furto riesce, ma il bottino va in fumo. È la più divertente e simpatica compagnia di bricconi che si sia vista sullo schermo dopo quella dei Soliti ignoti (1958). Dialoghi affilati, interpreti bravissimi (è l'adunata del clan di F. Sinatra). Un'apparizione geniale di Shirley MacLaine.

RITORNO AL LICEO

2011-06-12T19:42:00.001+02:00

Mike O'Donnel, classe 1989, è un quarantenne deluso e irrequieto. Ex capitano della squadra di basket del liceo, vent'anni dopo è il padre svogliato di due adolescenti e il marito disamorato della più bella ragazza della scuola, decisa ormai a chiedergli il divorzio. Abbandonato il campo di gioco a un canestro dal successo e da una prestigiosa borsa di studio, Mike vive col rimpianto di non aver fatto la scelta giusta. Sarà un angelo guida, nei panni di un umile custode, a procurargli una seconda possibilità per rivivere la sua adolescenza e per aggiustare un destino da perdente. Tornato diciasettenne, Mike capirà finalmente qual è il suo ruolo in campo e nel mondo. Da sempre, al cinema come nella letteratura, la sospensione o il riavvolgimento temporale conducono i protagonisti a riconsiderare la propria esistenza, riconoscendo eventuali errori ed egoismi e riscoprendo un altro se stesso, quello buono e giusto, quello funzionale alla morale esibita. 17 Again, con una fantasia trascurabile, non fa eccezione e va ad aggiungersi a quello che a tutti gli effetti è diventato un vero e proprio (sotto)genere: il racconto spazio-temporale, dentro al quale ritornare adolescenti o sperimentare l'età adulta. Il Mike O'Donnel di Matthew Perry, smarrita la propria identità nel presente, la ritroverà in un altro (e già esperito) continuum dell'esistenza, interpretato questa volta dal miracolo Zac Efron, mostre (di bravura), rivelato con la serie televisivaHigh School Musical e diventato celebre, a colpi di spazzola e a getti di lacca, col film musicale Hairspray. Il teenager movie di Burr Steers (Igby Goes Down) è in fondo il racconto di un risveglio alla vita e di una ricerca della felicità che ha il volto familiare e rassicurante delle scelte che abbiamo già fatto. 17 Again è una commedia romantica per consumatori di unghie e pop corn, la cui risposta è naturalmente l'amore. Costruito su una sequela di primi piani che coccolano Zac ed esaltano la perfezione estetica del fenomeno divistico Efron, il film tradisce una totale e frustrante assenza di qualunque profondità, dietro non c'è niente, se non i volti in controcampo degli altri protagonisti, tanto giovani, tanto carini, tanto politically correct, tanto alla moda. 17 Again vorrebbe descrivere il disagio degli adolescenti americani di oggi, il bullismo, la paura dell'esclusione, l'ansia da prestazione, il rifiuto e l'emarginazione, il conformismo e la ribellione, e andare a scavare fino a vedere cosa c'è sotto. In fondo al racconto c'è la High School Generation, una folta schiera di bravi ragazzi col cuore d'oro che sostituiscono il conflitto con la fede nella salute. Eppure sono malati, “corrotti” dal moralismo: non fare uso di droghe, non fare sesso (soprattutto col bad guy strafottente), non sbagliare, non vivere. 17 Again è come il suo protagonista, un concentrato innocuo di buona “maniera”, un contenuto spostato in superficie, che non trasgredisce mai e non brucia addosso.

ONE HOUR PHOTO

2011-06-12T19:37:00.001+02:00

Sy Parrish è il tecnico di laboratorio di sviluppo e stampa fotografica in uno stand di un centro commerciale. La sua vita si svolge sotto le luci al neon e quando torna a casa è completamente solo. Sente così la necessità di eleggersi una famiglia ideale: gli Yorkin. Di loro, clienti affezionati, conosce tutti i momenti immortalati nella varie fasi della vita. Si sente addirittura lo zio del loro bambino. Ma qualcosa incrina l’idilliaco e immaginario rapporto. Al suo secondo lungometraggio dopo Static del 1998, Mark Romanek firma un film destinato a rimanere nell’immaginario grazie anche alla prestazione di un Robin Williams mai così controllato. La sua ossessione viene disvelata progressivamente grazie a una recitazione implosa in cui tutte le pulsioni represse sembrano pronte ad esplodere ed invece si inabissano nella psiche di un personaggio scritto con grande attenzione ai particolari e con la consapevolezza di dover andare oltre l’ennesimo ritratto di psicopatico al cinema.

HOUDINI L' ULTIMO MAGO

2011-06-12T19:26:00.001+02:00

Edimburgo 1926. Nell'ambito del suo tour mondiale giunge nella città scozzese il più grande illusionista di tutti i tempi: Harry Houdini. In città esercita la professione di medium, accompagnata dalla figlia Benji, Mary McGarvie. Houdini ha lanciato una sorta di sfida: chi riuscirà a mettersi in contatto con lo spirito di sua madre riceverà un'ingente somma di denaro. Mary è attratta dalla ricompensa e, basando la sua attività sulla contraffazione, cerca di entrare nel privato della star per carpire informazioni utili a farle vincere il premio. Ma al cuore non si comanda. Gillian Armstrong nel 2007 affronta un bel rischio tornando sul tema dell'illusionismo dopo che The Prestige di Christopher Nolan e The Illusionist di Neil Burger avevano affrontato l'anno prima il giudizio delle sale scegliendo due modalità profondamente differenti per affrontare l'argomento. La regista è però abituata alle sfide sin dal suo esordio che la vide come prima donna australiana a dirigere un film di fiction dopo decenni di strapotere maschile. Decide quindi di privilegiare il taglio della storia d'amore cercando però di non banalizzarla. Ci riesce in gran parte grazie alla convergenza di alcuni fattori positivi. Innanzitutto la fama del suo protagonista. Chi non ha sentito parlare almeno una volta in vita sua del grande Houdini, l'uomo che si faceva incatenare in una gabbia che veniva poi immersa nell'acqua e dalla quale riusciva a uscire libero? L'illusionista di origini ungheresi, emigrato negli States alla fine del Diciannovesimo Secolo, si qualificava anche come una sorta di (permettete il paragone irriverente) Piero Angela del tempo, impegnato com'era a smascherare la cialtroneria di alcuni pseudomaghi dell'epoca. A questo elemento di notorietà si aggiungono una ricostruzione scenografica accuratissima e, soprattutto, una prestazione straordinaria (per il mix perfettamente riuscito di vitalità giovanile e di precoce cinismo) di Saoirse Ronan nei panni della figlia di Mary. Ai due protagonisti resta il compito di far progredire una relazione amorosa che avrebbe tutte le premesse per non riuscire dato l'inganno che le sta alla base. In fondo, sembra dire Armstrong, l'amore (oggi come allora) ha in sé una piccola o grande parte di dissimulazione. Cosa di meglio delle vicende di un grande illusionista per descriverne i percorsi?

Casino Royale

2011-06-11T00:55:00.001+02:00

Dopo essersi guadagnato due zeri e la licenza di uccidere James Bond, alle origini della sua carriera, è sulle tracce di Le Chiffre, uno spregiudicato banchiere che finanzia organizzazioni terroristiche. L'intervento di Bond manda all'aria i suoi piani, sventando un attentato ai danni di una compagnia aerea. Le Chiffre si ritrova così in debito e in imbarazzo con un misterioso signore della guerra africano, per saldare il conto organizza un'esclusiva partita a poker al Casino Royale nel Montenegro. Finanziato dal governo e controllato dall'affascinante contabile Vesper Lynd, Bond è tra i dieci ricchi partecipanti che gareggiano per il piatto milionario. Sopravvissuto a una lunga notte di bluff, strategie, inseguimenti, avvelenamenti e torture, sarà l'amore a piegare l'agente britannico e a condizionarne il destino sentimentale. Dopo aver diretto Goldeneye e il James Bond inconsistente di Pierce Brosnan, Martin Campbell scommette su Daniel Craig e vince senza bluffare al tavolo verde del Casino Royale. Il suo nuovo episodio 007 mostra la genesi di James Bond e colma il suo passato, informandoci sugli antefatti. Il ruvido agente di Daniel Craig mantiene i riferimenti strutturali col Bond "seriale", confrontandosi con i tratti distintivi del suo personaggio, indagandone nuove possibilità espressive senza mai negarlo. È vero, Daniel Craig è fenomenologicamente più vicino all'antagonista di Bond, magari russo e magari letale, ma le sue doti recitative rinnovano da sole il mondo narrativo di Bond, rivelando allo spettatore i suoi "ingredienti" e quelli del suo Vodka-Martini. La spia di Campbell, ispirata al primo romanzo di Fleming, è già a suo agio dentro all'azione, alle location esotiche, allo smoking, o alla guida di una Aston Martin, ma è ancora privo di Moneypenny, di Q e dei suoi gadget avveniristici, dei motoscafi, del sesso premio e della presentazione cool ("Il mio nome è Bond, James Bond"). Perché non è ancora Bond, quello di Connery, di Lazenby, di Moore, di Dalton, di Brosnan, il raffinato agente dello spionaggio inglese, bagaglio di un condiviso immaginario collettivo. In Casino Royale tutto ha l'incanto ma anche la brutale materialità della prima volta. Ottenuti due zeri, ovvero la licenza di uccidere, in un flashback in bianco e nero, Bond affronta la sua prima missione e il suo primo inseguimento: un'incredibile corsa urbana a ostacoli a Nambutu, dietro a un dinamitardo campione di parkour. L'azione, che proietta direttamente il personaggio nelle ambasciate, negli aeroporti e nei luoghi aperti perennemente minacciati da attacchi terroristici, si apre al melodramma, all'autobiografismo e al sentimentalismo. La parte action radicalizzata nella serie viene sottoposta ai movimenti e ai ripiegamenti del cuore, innamorando Bond di Vesper Lynd come da copione e da romanzo. La bella tesoriera della "dreamer" Eva Green determinerà il Bond seduttore e fonderà il presunto sessismo del genere. Luogo di culto e di fascinazione assoluta degli 007 è pure la sigla musicale dei titoli di testa. Sulla canzone di Chris Cornell scorrono i personaggi, allegorizzati in silhouette ridotte in semi di cuori e picche dalla pistola di Bond, finalmente tornato.

THE POLICE - Reggatta de Blanc (A&M Records, 1979)

2011-06-09T19:53:00.002+02:00

THE POLICE - Reggatta de Blanc (A&M Records, 1979)
Il trio britannico composto da Sting, Andy Summers e Stewart Copeland debutta nel 1978 con l'album Outlandos D'Amour, il quale vede miscelate al suo interno cadenze Reggae con il Rock inglese di quel periodo, un'alchimia questa, che da vita ad una musica originale e magnetica ma al contempo anche di facile ascolto.
Nel 1979 esce Reggatta de Blanc, un disco in cui funziona ancora a meraviglia la formula creativa già usata nel precedente album, così le sonorità fresche, briose, divertite, con la mancanza di una meditazione lunga e minuziosa nel comporre, tipica invece del rock progressivo degli anni 70, conquistano critiche positive e grande successo di pubblico, il quale si innamora di brani come Message in a bottle e Walking on the moon.

The Police - Regatta De Blanc (Album).mp3

TOTO - TOTO IV (COLUMBIA, 1982)

2011-06-09T19:49:00.002+02:00

TOTO - TOTO IV (COLUMBIA, 1982)
Supergruppo di noti e richiestissimi session men californiani, composto dai fratelli Jeff (1954-1992) e Steve (1957) Porcaro – rispettivamente percussionista e tastierista – dal chitarrista Steve Lukather (1957), dal tastierista e cantante David Paich (1954), dal bassista David Hungate e dal vocalist Bobby Kimball (1947) esordiscono nel 1978 con un album “Toto” di impeccabile Pop-Rock da classifica, contenente l'inossidabile Hold the line.
L'album di cui proponiamo la recensione è il quarto della loro carriera e non a caso si chiama proprio Toto IV; pubblicato nel 1982, questo lavoro continua a proporre la loro collaudata formula di grande successo commerciale, cioè un Pop-Rock abbellito da arrangiamenti pregevoli e appena ambrato da venature Hard. Eppure questo non è affatto un disco che si ripete, sarà che qui la suddetta formula trova addirittura un più felice compimento, infatti, il disco contiene singoli memorabili come Rosanna (dedicata da Paich all'attrice Rosanna Arquette, all'epoca fidanzata con Lukather), la suadente Africa che è oggi più che mai un hit mondiale intramontabile, e ancora la romantica ballata I won't hold you back e la sincopata Make believe.
Questo album viene premiato non solo dalle vendite milionarie ma anche con ben sei Grammy Awards; successivamente però Bobby Kimball abbandona il gruppo, finisce così un momento magico per la mitica band che, comunque, negli anni successivi continuerà ad uscire con altri LP.

Toto - Africa.mp3

U2 - The Joshua Tree (Island Records, 1987)

2011-06-09T19:44:00.002+02:00

U2 - The Joshua Tree (Island Records, 1987)
Questo album degli U2, l'ottavo a partire dal 1980, è senza dubbio una pietra miliare del Pop, non solo di quel decennio ma di tutti i tempi. I magnifici quattro – Paul Hewson detto Bono (1960) alla voce, David Evans detto The Edge (1961) alla chitarra, Adam Clayton al basso e Larry Mullen alla batteria – hanno realizzato questo disco, capolavoro intimistico e al contempo universale, di concerto con Brian Eno e Daniel Lanois che, oltre ha firmare la produzione, entrano nello spirito e nelle fondamenta del suono del gruppo.
Non c'è una sola nota sbagliata, gli undici brani non fanno una piega e le tre canzoni che aprono il disco (Where the streets have no name, I still haven't found what I'm looking for e With or without you) sono un inizio fulminante, una sequenza che vede la band di Dublino in uno stato di grazia.

U2 Where the streets have no name.mp3

WHITNEY HOUSTON - Whitney Houston (Arista, 1985)

2011-06-09T19:31:00.002+02:00

WHITNEY HOUSTON - Whitney Houston (Arista, 1985)
Figlia della cantante Gospel Cissy Houston e cugina di Dionne Warwick, Whitney Houston (1963) debutta con un album che lascia il mondo a bocca aperta, facendo presagire i 100 milioni di dischi che l'artista venderà nel corso della sua carriera.
La toccante Greatest Love Of All – già di George Benson nel 1977 – , l'esempio di moderno R'n'B melodico di You Give Good Love – che ha preceduto le sonorità e lo stile che negli anni '90 sarà poi di Mariah Carey e di altre star R'n'B –, la raffinata Saving All My Love For You e soprattutto la struggente e straordinariamente romantica All At Once sono i migliori esempi del talento, dell'estensione vocale e della sensibilità della giovane Whitney.
Altri tre pezzi melodici sono invece dei riusciti e prestigiosi duetti: Nobody Loves Me Like You Do e Take Good Care Of My Heart cantate con Jermaine Jackson e Hold Me interpretata con Teddy Pendergrass.
Nell'album ci sono poi alcuni brani ritmati in stile Pop-Dance come Thinking About You, Someone For Me e, sopra le altre, How Will I Know, ancora oggi accattivante, energica e trascinante al primo ascolto.

Whitney houston the greatest love of all.mp3

VASCO ROSSI - C'è chi dice no (Carosello, 1987)

2011-06-09T17:34:00.002+02:00

VASCO ROSSI - C'è chi dice no (Carosello, 1987)
Con le intense Vivere una favola e C'è chi dice no – che fotografano la frenesia, la superficialità e il qualunquismo dei ruggenti anni 80 – Vasco formalizza il suo ruolo di oppositore disarmato contro l'ipocrisia e il moralismo bigotto della società. E' dunque un disco più ragionato rispetto a quelli passati, nel quale si avvale di una lunga lista di collaboratori: oltre a Tullio Ferro anche Massimo Riva, Maurizio Solieri, Rudy Trevisi e lo stesso produttore Guido Elmi.
All'interno di questo album è presente anche una canzone d'amore molto suggestiva e dalle sonorità pop-rock carismatiche e avvolgenti, Ridere di te.
D'ora in poi Vasco Rossi diventa il Blasco, simbolo di una ribellione un po' picaresca, personaggio ironicamente autobiografico descritto nella canzone Blasco Rossi.

ZUCCHERO - Blue's (Polydor, 1987)

2011-06-09T17:25:00.004+02:00

ZUCCHERO - Blue's (Polydor, 1987)
A sorpresa nel 1987 arriva Blue's, un grande album che consacra Zucchero sulla scena musicale italiana e internazionale. Il disco vende oltre 1.300.000 copie, diventando l'album più venduto nella storia del Pop italiano, e nel 1989 la London Records lo pubblica in Gran Bretagna.
Blue's – il quale contiene dieci canzoni che sposano senza indugi la causa del Soul e del Rhythm'n'Blues – è mixato a Londra negli studi di Pete Townshend degli Who, ed è prodotto con il chitarrista e programmatore Corrado Rustici; al lavoro prendono parte anche i Memphis Horns, Clarence Clemons – saxofonista della E-street Band di Bruce Springsteen – e altri ottimi musicisti R'n'B internazionali.
I suoni sono incalzanti e inebrianti, e le canzoni nel loro complesso sono artisticamente e qualitativamente perfette, tanto che saranno la base degli spettacoli dal vivo lungo tutta la carriera dell'artista emiliano.
Un disco di successo, rimasto nella storia della musica italiana, grazie ai riff energici e accattivanti di Con le mani / Pippo / Non ti sopporto più / Solo una sana e consapevole libidine salva il giovane dallo stress e dall'Azione Cattolica, ma anche grazie alle suggestive e magistrali melodie di Dune mosse / Senza una donna / Hey Man / Bambino io, bambino tu / Hai scelto me.

ZUCCHERO J. Cocker, R. Zero, L. Pausini,
A. Britti, L. Richie, G. Morandi - We Are The World.mp3
ZUCCHERO Baila - Sexy Thing (Remix).mp3
ZUCCHERO Un kilo.mp3
ZUCCHERO Bacco Perbacco.mp3
ZUCCHERO you are so beautiful.mp3
ZUCCHERO miserere.mp3
ZUCCHERO solo una sana e inconsapevole
libidine salva il giovane.mp3
ZUCCHERO blu.mp3
ZUCCHERO per colpa di chi.mp3
ZUCCHERO menta e rosmarino.mp3
ZUCCHERO con le mani.mp3
ZUCCHERO pippo.mp3
ZUCCHERO va pensiero.mp3
ZUCCHERO it's all right.mp3
ZUCCHERO amen.mp3
ZUCCHERO non ti sopporto piu'.mp3
ZUCCHERO cosi' celeste.mp3
ZUCCHERO diamante.mp3
ZUCCHERO pane e sale.mp3
ZUCCHERO ahum.mp3
ZUCCHERO baila.mp3
ZUCCHERO rispetto.mp3

THE VERVE - Urban Hymns (Hut Recordings, 1997)

2011-06-09T15:24:00.001+02:00

THE VERVE - Urban Hymns (Hut Recordings, 1997)
La band dei Verve, proveniente da Wigan in Inghilterra, è costituita da Richard Ashcroft – voce, chitarrista, songwriter e leader del gruppo – Nick McCabe, Simon Jones, Peter Salisbury e Simon Tong.
Nella seconda metà degli anni 90 i Verve hanno contribuito a creare – insieme a gruppi come gli Oasis – quell'ondata musicale, definita Brit-Pop, che in quegli anni ha fatto da colonna sonora all'Inghilterra e all'intera Europa.
La loro musica, chiamata anche Space Rock o Dream Pop, ha origine dalla tradizione della Psichedelia ma si fonde anche con il Funk, il Soul e sinfonici arrangiamenti d'archi.
Il massimo risultato di qualità e orecchiabilità, i Verve lo danno nel 1997 con il loro terzo ed ultimo album, Urban Hymns, infatti, con questo lavoro lanciato dalla sinfonia agrodolce di Bittersweet Symphony la band si ritaglia un posto negli annali del Pop contemporaneo.
Urban Hymns contiene anche altri successi memorabili, come The Drugs Don't Work, Sonnet e Lucky Man, i quali insieme ad altri nove “Inni Urbani”, hanno lasciato un segno indelebile nella musica di fine anni 90, facendo di questo CD un classico da collezione.
All'apice del successo, tra lo stupore dei fan e degli addetti ai lavori, nel 1999 la band si scioglie e Richard Ashcroft intraprende la carriera solista.

THE SMITHS - The Queen Is Dead (Rough Trade, 1986)

2011-06-09T15:23:00.001+02:00

THE SMITHS - The Queen Is Dead (Rough Trade, 1986)
Johnny Marr (1963) – chitarrista ossessionato dalla fresca semplicità del Pop degli anni 60 – Morrissey (1959) – poeta-cantante fuori dal tempo, colto e ambiguo ,appassionato del "decadentismo" – insieme a Andy Rourke al basso e Mike Joyce alla batteria, si incontrano a Manchester nel 1982 e decidono di dare vita agli Smiths.
The Smiths è un nome semplice, anonimo, quasi banale ma al contrario le loro canzoni – che parlano di solitudine e disagio adolescenziale – mettono in risalto il contesto sociale in cui nascono, il quale vede le contraddizioni crudeli dell'Inghilterra thatcheriana.
Con loro rinasce il Pop inglese, tanto che spesso vengono citati per l'influenza che hanno tuttora su gran parte delle pop band britanniche; d'altronde non si possono dimenticare e rimangono come pietre miliari della musica Pop - New Wave, i limpidi riff chitarristici di Johnny Marr – certo influenzati dalle sonorità Sixties dei Velvet Underground e dei Byrds – e la voce suadente e fascinosa di Morrissey, che insieme regalano un fascino inedito e ipnotico a tante canzoni.
The Queen Is Dead, l'album di cui riportiamo la copertina – il quarto della loro storia – è un po' quello della maturità, infatti, nonostante il suono e l'estetica degli Smiths siano ormai codificati, in questo Long-Playing i quattro ragazzi di Manchester perfezionano il loro tratto stilistico in ballate crepuscolari e struggenti come I know it's over, There is a light that never goes out e The boy with the thorn in his side, senza trascurare però la vena polemica che troviamo in The Queen is dead, le schermaglie amorose e letterarie di Cemetry gates, le inedite accelerazioni Rock di Bigmouth strikes again.

THE CRANBERRIES - No Need To Argue (Island, 1994)

2011-06-09T15:21:00.001+02:00

THE CRANBERRIES - No Need To Argue (Island, 1994)
Nati nel 1990, nelle vicinanze di Limerick, in Irlanda, su iniziativa di quattro giovanissimi musicisti, i Cranberries non hanno un inizio discografico felice e nonostante l'incoraggiamento della stampa specializzata che ne intuisce il potenziale, faticano a trovare una propria identità espressiva. Nel 1991 pubblicano Uncertain e nel 1992 Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We? album con il quale vengono scoperti negli USA. Dunque quando nel 1994 esce No Need To Argue, la band irlandese guidata dalla suggestiva voce di Dolores O' Riordan (1971) è praticamente sconosciuta sul fronte britannico, ma ben presto con questo ultimo lavoro – pieno di poesia, elegante, ricco di stimoli e azzeccato in ogni particolare – si impongono in tutta Europa. Zombie è la dolente ballata di denuncia contro la guerra che traina l'intero album, uno dei best seller internazionali dell'anno, in equilibrio tra un Pop-Rock tirato e chiaroscuri di derivazione Folk irlandese.

TERENCE TRENT D'ARBY - Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby (CBS, 1987)

2011-06-09T15:20:00.001+02:00

TERENCE TRENT D'ARBY - Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby (CBS, 1987)
Cantante e songwriter di musica R'n'B, Terence Trent D'Arby nasce a New York nel 1962, ma è in Europa che cresce artisticamente e dà inizio alla sua carriera. Infatti, di servizio in Germania con l'esercito degli Stati Uniti, all'inizio degli anni 80 debutta sulla scena musicale tedesca formando il gruppo Funk dei “Touch”.
Successivamente Terence si trasferisce a Londra, dove registra un nastro-demo che gli procura un contratto con la casa discografica CBS.
Nel 1987 è protagonista di un debutto squillante con l'album Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby, un disco strabiliante che rappresenta un vero e proprio cult musicale degli anni 80, non a caso ottiene un enorme successo di vendite e agguanta i primi posti delle classifiche inglesi e americane. La popolarità di Terence, va alle stelle.
In questo suo primo lavoro discografico, esibisce una vocalità seducente che ricorda i grandi protagonisti Rhythm & Blues del passato, da Sam Cooke a Otis Redding; Terence però rigetta questi paragoni, dato che il suo Rock è imparentato con le diverse sfumature della black music.
I brani più rappresentativi di questo eccezionale album sono: Dance Little Sister, If You Let Me Stay, Wishing Well e Sign Your Name.

TANITA TIKARAM - Ancient heart (WEA, 1988)

2011-06-09T15:19:00.001+02:00

TANITA TIKARAM - Ancient heart (WEA, 1988)
Tanita Tikaram nasce a Munster in Germania, dove suo padre, un ufficiale britannico indiano delle isole Fiji, è stato collocato insieme alla moglie malaysiana. In seguito il padre sarà riassegnato in Gran Bretagna, così all'età di 12 anni Tanita, con la sua famiglia, si trasferisce in Inghilterra. Il senso di isolamento, le difficoltà nell'integrazione in una nuova realtà, spingono Tanita verso la musica, tanto che a 16 anni inizia a scrivere le sue prime canzoni.
Nel 1988 pubblica il suo primo album, Ancient heart, e subito la giovane artista viene salutata come un'eccellente rivelazione della canzone d'autore al femminile.
La sua voce scura, sinuosa e avvolgente dalla tonalità bassa, unita a delle ballate morbide, dà vita a delle canzoni intimistiche, suggestive e carismatiche che magnetizzano l'ascolto. Proprio per questo il mercato di fine anni 80, abituato ad una musica Pop fin troppo briosa, leggera e di facile ascolto, divenuta ormai ripetitiva e copia di se stessa, accoglie con entusiasmo il venticello di novità portato dalla Tikaram.
I brani più rappresentativi di questo album sono Good tradition, For all these years e soprattutto Twist in my sobriety, che nel 1989 conquista le radio italiane e diventa un hit indimenticabile.

SWING OUT SISTER - It's better to travel (Phonogram - Mercury, 1987)

2011-06-09T15:16:00.001+02:00

SWING OUT SISTER - It's better to travel (Phonogram - Mercury, 1987)
Il trio inglese – formato da Corinne Drewery alla voce, Andy Connell alle tastiere e Martin Jackson alla batteria – debutta con questo disco di grande qualità, che si afferma subito nelle classifiche europee e statunitensi, grazie ad un Pop melodico ma al contempo ritmato e accattivante.
Nelle molte hits contenute in questo album, si apprezza l'eleganza di una latente influenza Jazz e la grande freschezza donata da arrangiamenti ariosi di fiati ed archi, ottenuti con il sintetizzatore.
I brani più rappresentativi del disco sono: Breakout, Twilight world, Surrender e Fooled by a smile.

STADIO - Stadio (RCA, 1981)

2011-06-09T15:15:00.001+02:00

STADIO - Stadio (RCA, 1981)
Il successo del tour di Banana Republic con Dalla, De Gregori e Ron, porta alla band emiliana degli Stadio la voglia di cercare una propria espressione Rock e il sogno di diventare un gruppo solista con una propria identità, non più solo supporter nei concerti di grandi cantautori.
La canzone Grande figlio di puttana, ottiene un grande successo radiofonico e si aggiudica il Premio David di Donatello e il Nastro d'Argento come colonna sonora del film Borotalco di Carlo Verdone. Questo primo album degli Stadio contiene anche Chi te l'ha detto – brano dal Rock elettrico carismatico, suggestivo e avvolgente – e Navigando controvento, il primo testo di Luca Carboni.

SPANDAU BALLET - True (Chrysalis Records, 1983)

2011-06-09T15:14:00.001+02:00

SPANDAU BALLET - True (Chrysalis Records, 1983)
Il chitarrista e compositore Gary Kemp e suo fratello, il bassista Martin Kemp, formano la band nel 1979 insieme con il batterista John Keeble, il vocalist Tony Hadley e il chitarrista Steve Norman il quale, in seguito al cambiamento di direzione musicale della band che avviene nel 1983, passerà poi al sassofono. Il giovane gruppo inglese inizialmente si chiama “The Makers” ma dopo un viaggio a Berlino arriva il nuovo e definitivo nome, “Spandau Ballet”, ispirato da un graffito presente su un muro del carcere di Spandau.Subito raccolgono i primi apprezzamenti nella loro città, Londra, dove diventano la “house band” del Blitz nightclub, un locale riconosciuto come la culla di un nuovo genere musicale che si sta affacciando sui nascenti anni '80, e che rappresenta anche uno stile – un fenomeno di costume – chiamato “New Romanticism”. Nel 1980 la band firma un contratto discografico con la Chrysalis Records e pubblica il suo primo 45 giri intitolato To Cut A Long Story Short, che ottiene un buon successo nel Regno Unito. Seguono poi, nel 1981, altri due singoli: The Freeze – in stile Funky – e Musclebound. Nel frattempo esce il loro primo Long-Playing intitolato “Journeys to Glory”, che entra all'istante nella classifica inglese raggiungendo la settima posizione e dove resterà per oltre due mesi, un album con brani, come quelli citati sopra, dal ritmo trascinante in cui troviamo un grande uso del sintetizzatore.
In seguito esce il loro secondo LP, “Diamond”, un disco realizzato con una certa superficialità e che non creò grandi entusiasmi nonostante il successo del brano Chant No. 1.
Fortunatamente nel frattempo gli Spandau Ballet incontrano Trevor Horn, un veterano dei produttori discografici, che li consiglia su come rinnovare il sound e l'immagine. Così, con una ritrovata fiducia in se stessi i cinque ragazzi londinesi riescono a sfornare sonorità fresche, nuove e soprattutto molto radiofoniche, ed è proprio in questo momento che arriva il grande successo internazionale. Non a caso, nel 1983 esce “True” , un album la cui title track – che dura oltre 6 minuti – riprende un po' le storiche sonorità Jazz, Soul ed R&B dell'etichetta Motown (nel rispetto di un grande come Marvin Gaye), infatti, con True siamo di fronte ad un suono Soul ma che riesce ad essere moderno, innovativo e a plasmarsi con le mode sonore e strumentali degli anni '80. Un album “True”, che anche grazie ad altri singoli di successo come Gold, Lifeline e Communication, raggiunge il primo posto nella classifica britannica e staziona nella Top Ten statunitense.
Con questo disco anche la loro immagine cambia moltissimo, infatti, la band del “Nuovo Romanticismo” rinnova il suo look, con abiti eleganti e facce pulite – viene quindi messo da parte il make-up – . Proprio da questo momento gli Spandau Ballet cominciano a fare tendenza tra i giovani, che si ispirano al loro modo di vestire e alle loro acconciature.
Con i lavori successivi non riusciranno più ad eguagliare il successo di True, anche se ci regaleranno altre bellissime ed indimenticabili canzoni come I'll fly for you (1984) e Through the barricades (1986); si scioglieranno nel 1989.

SKUNK ANANSIE - Stoosh (One Little Indian Records Ltd - Virgin, 1996)

2011-06-09T15:13:00.001+02:00

SKUNK ANANSIE - Stoosh (One Little Indian Records Ltd - Virgin, 1996)
La cantante di colore Skin, bisex dichiarata e orgogliosa, nel 1995 quando esce il primo disco della band, definisce “Clit Rock” la musica del suo gruppo,ovvero una miscela di Hard Rock e rabbia femminista. Il loro primo album Paranoid And Sunburnt, registrato in una casa infestata, comprende canzoni intense e arrabbiate.
Nel 1996 gli Skunk Anansie pubblicano il loro secondo e penultimo lavoro discografico, Stoosh, che senza dubbio è uno dei migliori dischi Rock degli anni 90. In questo CD i loro testi parlano ancora una volta di razzismo vissuto in prima persona, religione e rapporti interpersonali, mentre la musica diventa qui metalleggiante ma più personale rispetto al disco precedente. E la voce, intensa e potentissima della carismatica Skin, leader indiscussa del gruppo, caratterizza e da spessore a tutto il resto. Nel disco troviamo, tra le altre, la canzone più celebre degli Skunk Anansie, Hedonism (Just Because You Feel Good), che, coinvolgente e trascinante grazie ad una bellissima melodia, specialmente nel ritornello, è tra le ballate Rock più belle del decennio scorso. Meno famosa ma ugualmente bella e sullo stesso genere, anche la suggestiva Brazen (Weep). Nel 1999 esce il loro terzo ed ultimo album, Post Orgasmic Chill, ed è ancora un grande successo. Nel 2001 la band inglese capitanata da Skin e con Cass Lewis al basso, Mark Richardson alla batteria e Ace alla chitarra si scioglie, e la leader decide di intraprendere una promettente carriera solista, confermata dal successo dell'album Fleshwound uscito nel 2003.

SIMPLY RED - A new flame (Elektra, 1989)

2011-06-09T15:11:00.001+02:00

SIMPLY RED - A new flame (Elektra, 1989)
Il gruppo Pop con tendenza al Soul dei Simply Red nasce nel 1984 a Manchester, formato dal cantante Mick "Red" Hucknall (1960), che già aveva fatto parte del gruppo di scuola Punk dei Frantic Elevators, e da tre ex membri dei Durutti Column.
Fin dal primo album, Picture book, pubblicato nel 1985, la band britannica confeziona in maniera perfetta un mix tra Soul e Rhythm and Blues che la porta al successo.
Nel 1989 esce il loro terzo album, A new flame, dove le reminiscenze di Black-Music e la vocalità sicura e suadente di Mick, danno vita ad un lavoro discografico originale e di grande qualità. Diciamo infatti che negli anni 80 i Simply Red propongono un R'n'B rinnovato, avvicinandolo alla Pop-Music di quel periodo, senza però confonderlo con essa. I brani più rappresentativi di questo LP sono: It's only love, A new flame e la cover di If you don't know me by now, brano del 1972 di Harold Melvin and the Blue Notes, una ballata romantica, raffinata e suggestiva, riproposta con grande successo da Mick e compagni.

SAMUELE BERSANI - Samuele Bersani (Pressing/BMG, 1997)

2011-06-09T15:10:00.001+02:00

SAMUELE BERSANI - Samuele Bersani (Pressing/BMG, 1997)
Samuele Bersani nasce a Cattolica, in provincia di Rimini, il primo ottobre 1970 e inizia la sua carriera artistica nel 1991 partecipando al tour Cambio di Lucio Dalla con il brano Il mostro – canzone piuttosto impegnata che punta il dito sul mondo dei media, sempre pronto in nome dello scoop a creare violenza mediatica non solo intorno a gravi fatti di cronaca, ma anche alla disperazione e alla diversità – che viene poi inserito nell'album live Amen dello stesso Dalla.
Nel 1992 esce il suo primo album, C'hanno preso tutto, che contiene la famosissima Chicco e Spillo: la storia di due ragazzini che, in una realtà di degrado sociale nell'hinterland di una grande città, pensano a come ottenere soldi facili, e così decidono di compiere un furto; il racconto, a metà tra filastrocca e rap, purtroppo però si conclude male, con i due ragazzi sul motorino in fuga dalla polizia che incappano in un incidente.
Nel 1994 scrive Crazy boy per Fiorella Mannoia, canzone che racconta di un immigrato extracomunitario che per trovare rifugio, nella notte, entra in un museo e rimane chiuso dentro. L'anno seguente pubblica il suo secondo album, Freak, che segna la sua consacrazione definitiva: 130000 copie vendute e 56 settimane nelle classifiche di vendita. Il suo terzo CD, quello di cui mostriamo la copertina, si intitola Samuele Bersani e contiene quello che forse è il suo più bel brano, Giudizi universali, una canzone poetica e struggente che parla della dolorosa perdita di un amore, con la quale si aggiudica il Premio Lunezia 1998 per il miglior testo letterario. Questo disco, tra gli altri brani contiene anche Coccodrilli, canzone di immediato successo che viene scelta come singolo di lancio dell'intero lavoro, la già citata Crazy boy, la delicata ed intimista L'istinto – che parla del contrasto tra emotività e sentimenti – e La risposta, canzone in stile Rock easy-listening, cover di The circle (1996) degli Ocean Colour Scene. Senza dubbio Samuele Bersani è uno dei più bravi ed interessanti cantautori della nuova generazione, soprattutto per la scrittura dei testi, anche se pure le scelte musicali non sono mai banali.

RINO GAETANO - Nuntereggaepiù (RCA, 1978)

2011-06-09T15:08:00.001+02:00

RINO GAETANO - Nuntereggaepiù (RCA, 1978)
Nuntereggaepiù esce in un periodo nel quale il reggae è poco conosciuto nel nostro Paese, e ottiene un vero e proprio successo grazie al singolo estratto intitolato Gianna, canzone presentata al Festival di Sanremo, dove Rino si esibisce come un classico artista da varietà indossando frac e cappello a cilindro; questa fu ovviamente un'esibizione rara per quel tipo di platea, abituata a distinguere tra cantanti popolari, cantautori impegnati e attori televisivi da spettacolo leggero.
L'intero album mostra – con Nuntereggae più, Fabbricando case, Capofortuna e le altre – la grandezza di Rino Gaetano, che non consiste però solo nel tradurre comicità in musica – seguendo la tradizione del varietà nel satireggiare personaggi e politica – ma anche nel seguire quella strada quando nessun altro nella musica italiana lo stava facendo, in un decennio dove le hit-parade ospitavano Mogol-Battisti, le piazze ascoltavano i cantautori impegnati e il Paese viveva gli anni di piombo.

RICCARDO COCCIANTE - Cocciante (RCA, 1982)

2011-06-09T15:07:00.001+02:00

RICCARDO COCCIANTE - Cocciante (RCA, 1982)
Senza dubbio questo è stato un 33 giri di grande successo, non a caso ancora oggi viene ristampato su CD.
Otto canzoni che nei testi presentano quella "poesia del quotidiano un po' minimalista", nella quale Mogol, che ha firmato appunto tutte le liriche del disco, è maestro; i brani più amati dal pubblico contenuti in questo album sono: Celeste nostalgia, Un nuovo amico e In bicicletta, tre canzoni scorrevoli, da antologia non solo del repertorio di Cocciante ma anche, più in generale, dell'intero archivio della musica leggera italiana più popolare.
In questo suo nono LP, Riccardo, nelle sue melodie, fa a meno della progressione rabbiosa dei primi lavori in favore di una romantica leggerezza.

RENATO ZERO - Zerofobia (RCA, 1977)

2011-06-09T15:05:00.001+02:00

RENATO ZERO - Zerofobia (RCA, 1977)
Canzoni emblematiche che rappresentano la storia della musica leggera italiana, come Il cielo, Mi vendo, Morire qui, Manichini, hanno reso celebre e amatissimo questo album, all'interno del quale si fronteggiano libertà sessuale e senso religioso.
I brani di questo Long Playing – con il loro eccentrico intreccio di trasgressione e moralismo, denuncia sociale e etica dei buoni sentimenti – raggiungono i cuori di tanta gente e si pongono sempre dalla parte del bene e della positività.
Il consenso del pubblico verso questo disco e verso il personaggio Renato Zero è tale, che lo spettacolo dal vivo, intitolato Zerofobia, registra il tutto esaurito in ogni città italiana e nell'aprile del 1978 viene addirittura trasmesso dalla RAI; così la TV trasforma l'ambiguità dell'artista in un fenomeno di costume, meno eversivo e alla portata del grande pubblico.
Zerofobia è un 33 giri preludio di Zerolandia, l'album che nell'anno successivo catturerà il pubblico col malizioso boom di Triangolo.

RENATO ZERO - Trapezio (RCA, 1976)

2011-06-09T14:57:00.001+02:00

RENATO ZERO - Trapezio (RCA, 1976)
Ormai etichettato come il Bowie italiano – visto che anch'egli, come il cantante inglese, nelle sue performance lavora sul travestitismo – il ventiseienne Zero, con questo suo terzo Long-Playing, mette a punto il suo progetto di canzone nata in vista dello spettacolo e quindi da arrangiare e da interpretare, anche su disco, con grande attenzione alla spettacolarità dei suoni e della voce. Nello stesso tempo, emerge la sua filosofia d'autore: eccentrico intreccio di trasgressione e di moralismo vagamente deamicisiano, denuncia sociale e etica dei buoni sentimenti, clownerie e accenti "strappacore". Nasce, intanto, l'esercito dei “sorcini”, ragazzi che considerano Renato un maestro.
I brani più rappresentativi di questo album sono: No, mamma, no! – già proposta in una versione “dal vivo” all'interno dell'omonimo LP, il primo di Renato, uscito nel 1973 – l'ingenua e romantica Inventi, Scegli adesso oppure mai..., Un uomo da bruciare e la divertente Madame.

R.E.M. - Out Of Time (Warner Bros, 1991)

2011-06-09T14:55:00.001+02:00

R.E.M. - Out Of Time (Warner Bros, 1991)
I R.E.M. sono un team perfetto, senza difetti, né cedimenti: e Stipe, Buck, Mills e Berry è come se avessero stretto un patto di sangue, tutti per uno, i R.E.M. per tutti. Out Of Time è una concessione, la prima, al business, con un ventaglio di soluzioni che portano l'album ai primi posti in tutto il mondo. L'intramontabile Losing My Religion e Shiny Happy People vestono i panni dell'immediatezza, della grande orecchiabilità, ma i meno radiofonici, più ricercati e introspettivi Low, Country Feedback, Half A World Away mettono in pace la coscienza dei più esigenti affezionati della prima ora.

RAF - Cosa resterà... (CGD, 1989)

2011-06-09T14:45:00.001+02:00

RAF - Cosa resterà... (CGD, 1989)
Raffaele Riefoli, in arte Raf, nasce a Margherita di Savoia (Foggia) nel 1959. Fiorentino di adozione, all'inizio degli anni 80 si trasferisce per un breve periodo a Londra e nel 1984 pubblica con l'etichetta francese Carrere il 45 giri Self Control, brano pop-dance cantato in inglese che raggiunge il primo posto nelle classifiche di tutto il mondo, Stati Uniti compresi.
Nel 1987 dopo aver lavorato nella scena dance per diversi anni, decide di cambiare genere dedicandosi al pop italiano. Basti pensare che il brano Si può dare di più (1987), portato alla vittoria del Festival di Sanremo dal trio Morandi-Ruggeri-Tozzi, è firmato proprio da Raf; come del resto la hit Gente di mare (1987) cantata in coppia con Umberto Tozzi.
Nel 1988 Raf pubblica l'album Svegliarsi un anno fa e nell'89 Cosa resterà..., un disco che lo consacra tra i più importanti protagonisti della scena musicale pop del nostro paese. Questo album, infatti, contiene canzoni di tutto rispetto, tra le quali spiccano la sanremese Cosa resterà degli anni '80 – brano che divenuto oramai un classico, rappresenta una fotografia critica e un po' nostalgica del decennio che allora si andava chiudendo – e l'estiva Ti pretendo – mega-hit che vince il Festivalbar 1989 – oltre alla sensibile Santi nel viavai e all'ironica, anch'essa foto delle manie e nevrosi della società, La battaglia del sesso.
Raf con questo disco che esce sul finire degli anni 80, ha il merito di cantare in italiano un pop elegante e raffinato, cosa assai rara in quel periodo.

RAF - Self control (CARRERE, 1984 / CGD, 1987)

2011-06-09T14:44:00.001+02:00

RAF - Self control (CARRERE, 1984 / CGD, 1987)
Con l'etichetta francese Carrere e cantato interamente in inglese, nel 1984, prodotto da Giancarlo Bigazzi, Raf pubblica questo suo primo album in cui firma i testi e gli arrangiamenti, mentre le musiche sono realizzate da Steve Piccolo, un musicista dei Lounge Lizards.
Il singolo che da il titolo all'intero Long-Playing, Self control, è un brano eurodance che raggiunge il primo posto nelle classifiche di tutto il mondo, Stati Uniti compresi.
Da segnalare, all'interno di questo album, anche il gradevole pop melodico di Change your mind.

PET SHOP BOYS - Please (EMI, 1986)

2011-06-09T14:43:00.001+02:00

PET SHOP BOYS - Please (EMI, 1986)
Col preciso intento di rendere danzabile e “yuppie” il Technopop, gli inglesi Neil Tennant (voce) e Chris Lowe (sintetizzatori) esordiscono con questo album che ha le sue migliori carte da giocare nelle ipnotiche West End Girls e Oppurtunities (Let's Make Lots of Money) e nell'elegia metropolitana di Suburbia. Sicuramente un album molto fruibile, la cui facile ascoltabilità non è però disgiunta da spunti estetico-decadenti tesi a rappresentare l'angoscia e gli orrori della vita metropolitana. Si ha infatti la netta sensazione di ascoltare un Synth-Pop – tipicamente anni '80 – più colto e attento a comunicare messaggi carichi di un vero spessore intellettuale, nati magari da una visione introspettiva del mondo circostante. Un disco che vede un'accattivante e brillante ritmica elettronica – con arrangiamenti sontuosi a tratti dagli effetti quasi apocalittici – unita a rassicuranti e delicate melodie, per un risultato dalle atmosfere quasi “noir” in sottofondo e dall'indubbio carisma.

NOMADI - Gente come noi (CGD, 1991)

2011-06-09T14:42:00.001+02:00

NOMADI - Gente come noi (CGD, 1991)
Un album sincero, che riesce a comunicare pensieri e stati d'animo con scioltezza e naturalezza. Dunque, anche se non sempre sono molto orecchiabili, le canzoni di questo disco catturano al primo ascolto.
Il brano che fa da apripista, Gli aironi neri, suggestivo e carismatico, attacca con una chitarra stile anni 60. I venditori di morte vengono messi all'indice in Serpente piumato, come anche gli assassini di Chico Mendez, che, ucciso perché si batteva per salvare la foresta amazzonica, dai Nomadi viene ricordato nell'impegnata e al contempo deliziosa Ricordati di Chico.
Ma in questo album troviamo, tra le altre, anche la trascinante C'è un re, che tuffandosi nel mondo delle fiabe racconta metaforicamente la crudeltà e l'indifferenza del potere, Salutami le stelle, una melodia popolare dalle liriche toccanti, Ma che film la vita, un'appassionata dichiarazione d'amore per la vita, Colpa della luna, racconto di una notte insonne per i ricordi affettuosi che tornano alla mente, e Cammina cammina, canzone dedicata al fascino dei luoghi che ognuno di noi attraversa nella propria esistenza e alla bellezza del viaggio.
Il grande Augusto Daolio, storica voce e anima dei Nomadi, scomparirà la mattina del 7 ottobre del 1992.

NO DOUBT - Tragic Kingdom (Interscope Records, 1995)

2011-06-09T14:41:00.001+02:00

NO DOUBT - Tragic Kingdom (Interscope Records, 1995)
I No Doubt si sono formati all'inizio del 1987, ispirandosi dichiaratamente ai Madness. Ed è soltanto dopo alcune vicissitudini, il suicidio di un membro del gruppo e un tour per sopravvivere a questa tragedia, che la band (composta da quattro ragazzi e una ragazza alla voce) viene messa sotto contratto dalla Interscope. Pur rivolgendosi a un pubblico Ska, dimostrano di avere dalla loro un'attitudine Pop, un impronta che fa venire in mente la New Wave. Ma è soprattutto la presenza della “front girl” bionda, graziosa e appariscente Gwen Stefani, che aiuta la crescita della popolarità dei No Doubt nel mondo del Pop californiano e non. Il loro primo album, “No Doubt”, viene pubblicato nel 1992, mentre il secondo, Tragic Kingdom, arriva solo tre anni dopo e frutterà al gruppo successo e popolarità in tutto il mondo.
In Tragic Kingdom i punti di riferimento non sono cambiati, infatti, Punk, Ska-revival, New Wave e una spiccata attitudine Pop sono ancora parte della caleidoscopica trama sonora della band californiana. Nel frattempo però Gwen Stefani, biondissima e truccatissima è diventata la Madonna degli Ska americani. I brani di maggior successo estratti da questo CD sono Don't speak, carismatica e dalle sonorità Pop melodiche, e Just a girl dal contagioso Ska, i cui video per mesi vengono trasmessi in alta rotazione su MTV. Particolarmente eclatante è stato il successo di Don't speak, che nel 1996 e '97 ha trainato l'album tra i dischi stranieri più venduti in Italia.

MICHAEL JACKSON - Thriller (Epic, 1982)

2011-06-09T14:39:00.003+02:00

MICHAEL JACKSON - Thriller (Epic, 1982)
Un album di iperboli e di miracoli, come si conviene al ragazzo, il maggior fenomeno prodotto dall'industria dell'entertainment. Il produttore Quincy Jones compie il suo capolavoro di stratega e divulgatore, con nove canzoni limpide e probanti: Soul contemporaneo mescolato al Pop-Rock, affettando melodie e riff penetranti, che non si dimenticano facilmente. Non si bada a spese, con Paul McCartney che duetta in The Girl Is Mine, Eddie Van Halen e la sua chitarra in Beat It, e altri importanti session-men. Temi e atmosfere per tutti, da Wanna Be Startin' Somethin' a Thriller, da Billie Jean a Human Nature. Aiutato e promosso anche da ricchissime produzioni di videoclip, è di gran lunga l'album più venduto della storia, circa 50 milioni di copie. Non per niente è un capolavoro.

MICHAEL JACKSON - Off The Wall (Epic, 1979)

2011-06-09T14:39:00.001+02:00

MICHAEL JACKSON - Off The Wall (Epic, 1979)
Michael Jackson – nato nel 1958 a Gary nell'Indiana – vive fin da bambino nella società dello spettacolo. Infatti, si può dire che la crescita, non solo artistica, di Michael avviene sotto la luce dei riflettori, ed è contrassegnata da una notevole produzione discografica, sia con la band costituita con i fratelli – i Jackson 5 – sia come cantante solista. I primi album in proprio sono un collage spesso casuale, in cui l'incolpevole Michael propone canzonette di modesta fattura.
Anche il cinema attraversa la carriera dell'artista, con la partecipazione come attore, nel 1978, insieme a Diana Ross e Richard Pryor, nel remake del musical “The Wiz”. Un'occasione professionale che gli permette di incontrare anche il produttore Quincy Jones, con il quale inizierà una lunga e assai proficua collaborazione.
Nel 1979 Michael, prodotto proprio da Quincy Jones, pubblica il primo disco di successo come solista, Off The Wall, con il quale intraprende il percorso che negli anni 80 lo consacrerà come l'indiscussa star mondiale del Pop. Questo album, che riesce a mettere in risalto le sue qualità vocali, contiene un'alternanza di brani lenti e veloci che vanno dall' R'n'B al Funky, fino ad arrivare alla Disco-Music. I brani più rappresentativi di questo Long-Playing sono: Don't stop 'til you get enough, Rock with you, Girlfriend, It's the falling in love.

MARINA REI - Marina Rei (Virgin, 1996)

2011-06-09T14:38:00.001+02:00

MARINA REI - Marina Rei (Virgin, 1996)
Musicista e cantautrice, Marina Restuccia – in arte Marina Rei – nasce a Roma il 5 giugno 1969. Nel 1995 esordisce nel mondo della musica leggera italiana pubblicando due singoli, Sola e Noi, che ottengono subito un buon riscontro radiofonico e sono inclusi nella prima uscita del suo album d'esordio intitolato Marina Rei. Ma queste due hits che rendono subito evidenti la sua bravura e il suo talento sono solo un preludio alla popolarità, infatti, anticipano la partecipazione di Marina al Festival di Sanremo del 1996, dove l'artista romana presenta il brano d'ispirazione Gospel Al di là di questi anni, classificandosi al terzo posto nelle Nuove Proposte e imponendosi all'attenzione della stampa, che le assegna il premio della critica.
Dopo l'esibizione sul palco del Teatro Ariston, che subito le porta la stima e l'attenzione del pubblico e degli addetti ai lavori, esce la ristampa dell'album pubblicato l'anno precedente con in più l'aggiunta della canzone sanremese e il remix di I sogni dell'anima, a cura di Todd Terry.
Il disco cavalca sonorità decisamente Funky con briose ed accattivanti sezioni di fiati, e vede Marina Rei non solo autrice di tutti i testi ma anche percussionista; colpisce inoltre il suo modo di cantare deciso e passionale, dal quale emerge chiaramente la grande voglia di comunicare i propri pensieri e la forte motivazione nel farlo.
Tra i brani più rappresentativi del disco, meritano di essere segnalati anche Pazza di te e Odio e amore.

MADONNA - True blue (Sire/Warner Bros, 1986)

2011-06-09T14:36:00.003+02:00

MADONNA - True blue (Sire/Warner Bros, 1986)
Senza nulla togliere ai due album Pop-Dance che hanno preceduto questo terzo lavoro di Veronica Louise Ciccone (1958), bisogna comunque ammettere che True blue è indiscutibilmente il primo grande LP di Madonna, nel quale propone testi più maturi e il suo personaggio non rappresenta più l'immagine della tipica teen-ager degli anni 80, bensì quella di una donna, che oramai è anche una diva, controversa.
I brani di maggior successo estratti da questo album sono subito diventati veri e propri simboli del Pop internazionale “targato” anni 80, da Papa don't preach – canzone incentrata sul tema delle gravidanze indesiderate nell'adolescenza e sul rifiuto all'aborto – alle pop-song True blue e Open your heart, fino alla stupefacente Live to tell – ballata che tratta il tema dell'abuso di minori, in cui una donna vissuta parla a sua figlia – con questa canzone Madonna scopre artisticamente, per la prima volta, la sua vocalità sulle note più basse, presentando una voce calda, avvolgente e carismatica.
Ma questo 33 giri include anche Where's the party, brano orecchiabile “dancereccio” che ricorda la Pop-Dance dei suoi album di debutto, e La isla bonita, una hit di grande successo, tuttora apprezzabile, che a quel tempo passava per latina, anche se, sinceramente, di folklore musicale latino ne mostra ben poco, infatti, diciamo che le sonorità spagnoleggianti presenti in questa canzone sono retoriche e preconcette; questi però erano gli anni 80: un po' artificiosi, faciloni e superficiali.

MADONNA - Like A Virgin (Sire/Warner Bros, 1984)

2011-06-09T14:36:00.001+02:00

MADONNA - Like A Virgin (Sire/Warner Bros, 1984)
In quel periodo ideale reginetta della scena dance, Madonna è abilissima nell'imporsi anche fuori dalle cronache musicali. Arguta produzione di Nile Rodgers e canzonette su misura da Material Girl a Like A Virgin.

LUCIO DALLA - Dalla (RCA, 1980)

2011-06-09T14:35:00.001+02:00

LUCIO DALLA - Dalla (RCA, 1980)
In questo album le sonorità Pop degli Stadio – la giovane band che suona per Dalla – si fa sempre più convincente e accattivante, infatti, molti momenti delle canzoni sono caratterizzati da una base di pianoforte, tastiere e dalla chitarra elettrica.
Nel disco, troviamo liriche ricche di metafore poetiche in La sera dei miracoli e Il parco della luna, ritmo e ritornello orecchiabile in Balla balla ballerino, l'amore insoluto, non corrisposto e da decifrare nella dolcissima Cara e l'amore che dà la vita, raccontato, nell'indimenticabile Futura.
I testi di questo Long-Playing raccontano la vita della gente nel bene e nel male, le gioie e i dolori, le speranze e le vergogne delle persone e della società, il tutto su di un sound dalla ritmica accattivante ma con delle melodie che riescono ad essere perfino commoventi.

LUCA CARBONI - Carboni (RCA, 1992)

2011-06-09T14:34:00.001+02:00

LUCA CARBONI - Carboni (RCA, 1992)
Luca Carboni raggiunge il massimo della sua popolarità proprio con questo album, che sarà il più venduto del 1992 aggiudicandosi ben tre dischi di platino.
Molto più ritmico rispetto ai precedenti, si apre con Ci vuole un fisico bestiale, brano orecchiabile pervaso da una schietta ironia nei confronti della società e della quotidianità. Anche la canzone Mare mare, che vince il Festivalbar, diventa un classico della musica italiana, un brano estivo per eccellenza ma che al contrario di altri del suo stesso genere riesce a comunicare un messaggio più profondo, infatti, nel racconto autobiografico di Luca, il mare è visto come un luogo da raggiungere per cercare di soffocare la propria solitudine e guardare dentro se stessi, per capire le ragioni di una malinconia nascosta.
All'interno del CD troviamo poi canzoni anche più socialmente impegnate, come: Alzando gli occhi al cielo che punta il dito in quella terribile piaga italiana che è la mafia – proprio quando di lì a pochi mesi avrebbero perso la vita, in due distinti attentati a Palermo, i giudici Falcone e Borsellino con le rispettive scorte – e La mia città che riflette sui ritmi frenetici imposti dalla metropoli, forieri di speculazione, indifferenza, solitudine ed egoismo.
Tra le altre canzoni, contenute in questo album di culto del Pop italiano anni 90, segnaliamo anche le sentimentali e struggenti: Le storie d'amore e L'amore che cos'è.
E' un disco realizzato in studio quasi totalmente dal cantautore bolognese e dal produttore Mauro Malavasi con pochi altri musicisti, tra cui Jimmy Villotti alle chitarre.

LUCA CARBONI - Luca Carboni (RCA, 1987)

2011-06-09T14:32:00.001+02:00

LUCA CARBONI - Luca Carboni (RCA, 1987)
E' il disco del grande successo. I giovani lo vedono come uno di loro, conquistati da canzoni tenerissime come Farfallina, ma anche maliziose come Vieni a vivere con me. Si parla di droga in Silvia lo sai e dell'esigenza di aggrapparsi a qualcuno in Caro Gesù, con buona dose di ironia.
Nel terzo album la musica abbandona il ruolo di accompagnamento ai testi, assumendo invece carattere attivo e originale.
Incisivo, a tratti perfino incalzante, risulta l'andamento delle liriche in Voglia di vivere, Farfallina e Continuate così.
Con questi presupposti Carboni riceve l'entusiasmo dei fan nel corso di una lunga tournée.

LUCA CARBONI - ...intanto Dustin Hoffman non sbaglia un film (RCA, 1984)

2011-06-09T14:31:00.001+02:00

LUCA CARBONI - ...intanto Dustin Hoffman non sbaglia un film (RCA, 1984)
Luca Carboni nasce a Bologna il 12 ottobre 1962. Spinto dal padre, fin da bambino impara a suonare il pianoforte ma a 13 anni lo abbandona in favore della chitarra e, soltanto l'anno dopo, fonda con alcuni amici il gruppo Teobaldi Rock. Negli anni successivi, per dedicarsi totalmente alla musica, Luca abbandona gli studi e si impiega in un negozio di scarpe. In seguito allo scioglimento del gruppo, tenta altre strade; poi, una sera lascia all'osteria Da Vito – popolare ritrovo bolognese di artisti e studenti universitari – alcuni suoi testi che vengono letti per caso da Lucio Dalla e dal suo storico gruppo di accompagnamento, gli Stadio; la band bolognese capitanata da Gaetano Curreri offre subito a Luca la possibilità di scrivere un testo per il loro primo album: Stadio (RCA, 1981). E' dunque grazie a questo incontro, che Luca Carboni firma Navigando controvento.
Successivamente sigla con la RCA il suo primo contratto discografico e pubblica, nel 1984, il suo album d'esordio ...intanto Dustin Hoffman non sbaglia un film al quale partecipano Ron, gli Stadio e il loro leader Gaetano Curreri, tastierista e coproduttore del disco. In questo lavoro Luca inizia a interpretare i sogni e i bisogni della sua generazione ma con uno stile vocale e musicale ancora poco originale, anche se la “stoffa” del cantautore riflessivo, ironico e poetico che racconta pregi e difetti del suo tempo, già emerge nella bellissima Ci stiamo sbagliando, e poi nella delicata Questa sera e in Giovani disponibili. Il momento musicale più accattivante del disco è rappresentato dall'enigmatica Fragole buone buone, con le sue sonorità tra il Funky e il Rock.

LISA STANSFIELD - Real love (BMG, Arista 1991)

2011-06-09T14:30:00.001+02:00

LISA STANSFIELD - Real love (BMG, Arista 1991)
Cantante e autrice inglese nata nel 1965, Lisa Stansfield ha una vera predisposizione per la musica Soul con la sua voce calda e suadente. Dopo aver scalato, nel 1989, i vertici delle classifiche europee con il suo primo album “Affection” grazie alla forza dei singoli This is the right time e All around the world, due anni dopo pubblica il suo secondo lavoro. Un disco che presenta ben tredici gradevoli brani che ribadiscono l'inclinazione della Stansfield per un Pop elegante e radiofonico, fatto di ballate Soul-Dance melodiche e ritmate, e di qualche mid-tempo dai toni più Funky. Si nota come gli arrangiamenti, degli archi in particolare, siano influenzati dallo stile della Disco-Music anni 70 di Barry White, uno stile che caratterizza tutta la produzione della brava Lisa.
Nel complesso però, seppur graziose, le canzoni di Real love non hanno la capacità di imprimere in maniera immediata una melodia nella memoria, fatta eccezione per Change, che ebbe un buon successo radiofonico.
Senz'altro si tratta di un album da ascoltare per intero più volte, dal quale lasciarsi pian piano conquistare e affascinare. Il risultato è garantito.

LIGABUE - Ligabue (WEA, 1990)

2011-06-09T14:29:00.001+02:00

LIGABUE - Ligabue (WEA, 1990)
Questo album d'esordio è un tipico prodotto di base, realizzato con poche materie prime, un budget povero ma tanto talento e voglia di raccontare. Luciano Ligabue (1960) approda alla musica dopo aver vinto un concorso per gruppi debuttanti della provincia di Reggio Emilia. A scoprirlo e introdurlo nell'ambiente è il conterraneo Pierangelo Bertoli. Debutta con questo disco all'età di 33 anni, dunque già da uomo maturo con un bel pezzo di vita vissuta alle spalle, una realtà che si rispecchia nella durezza e nell'incisività delle composizioni presenti nell'album: Balliamo sul mondo, Bambolina e barracuda, Piccola stella senza cielo, Marlon Brando è sempre lui, Non è tempo per noi, Bar Mario, Sogni di R&R, Figlio d'un cane. Tutti brani che sono i precursori di un autore cult.

JOVANOTTI - Lorenzo 1992 (FRI, 1992)

2011-06-09T14:28:00.001+02:00

JOVANOTTI - Lorenzo 1992 (FRI, 1992)
Lorenzo Cherubini (1966) cresciuto a Cortona (AR) poi professionalmente radicatosi a Milano, sul finire degli anni 80 è disc-jockey a Radio DeeJay e conduttore di "DJ Television" su Italia 1, nonché cantante di grande successo di canzoni dal basso spessore artistico, talvolta banali e votate solamente alla leggerezza e al divertimento fin troppo spensierato.
Con il lavoro discografico che pubblica nel 1992, arriva però un grande segno di ravvedimento rispetto al passato, infatti l'artista mostra una vena cantautorale attenta alla società e in particolare ai giovani che ne fanno parte. Insomma l'album Lorenzo 1992, stupisce pubblico e critica mostrando un Jovanotti maturato anche artisticamente, che ci regala della bella musica italiana da ascoltare e riascoltare senza staccare la spina dal cervello.
In questo CD Lorenzo è generoso e tracima di idee, spunti, intenzioni. Gli equilibri migliori, per divertirsi e pensare, sono presenti in Non m'annoio, Ragazzo fortunato, Benvenuti nella giungla, Io no e Ho perso la direzione. Nel disco è presente anche un picco di moderno romanticismo in Chissà se stai dormendo. Mentre Sai qual è il problema è un editto anti-Aids, quasi uno spot per l'uso del preservativo.

IVANO FOSSATI - La mia Banda suona il Rock (RCA, 1979)

2011-06-09T14:27:00.001+02:00

IVANO FOSSATI - La mia Banda suona il Rock (RCA, 1979)
La prima fascia della carriera di Ivano Fossati (1951) si chiude idealmente con gli anni 70 e il primo grande successo della sua carriera: la gagliarda, coinvolgente e accattivante La mia banda suona il rock, canzone che l'autore a posteriori disconoscerà decisamente. I lavori precedenti sono un lungo rodaggio per portare l'artista fuori dalle rotte tracciate con il gruppo dei Delirium che aveva esordito nel 1971 con brillanti risultati commerciali. La struttura delle composizioni in questo album rimane ancora da calibrare ma è solo questione di tempo. L'album, che chiude il decennio dei 70, è registrato a Miami e oltre alla title-track comprende brani struggenti e intimisti come Di tanto amore, ...e di nuovo cambio casa e anche un paio di canzoni, Dedicato e Vola, scritte e prestate rispettivamente a Loredana Bertè e Mia Martini.

IRENE GRANDI - Irene Grandi (CGD, 1994)

2011-06-09T14:26:00.001+02:00

IRENE GRANDI - Irene Grandi (CGD, 1994)
Nel 1993 Irene Grandi fa capolino nel mondo del Pop italiano, proponendo alla selezione di Sanremo Giovani il brano Un motivo maledetto, canzone che l'anno successivo sarà pubblicata in questo suo primo album. Ma Irene – classe 1969, ragazza toscana dallo spirito giovane ed espansivo – diventa subito popolare grazie al Festival di Sanremo del 1994, dove partecipando tra le Nuove Proposte, conquista il pubblico con il brano Fuori – inno gioioso alla libertà e alla trasgressione, una specie di Vita spericolata al femminile – infatti, grazie alla sua vocalità grintosa e alla più che gradevole presenza scenica, si piazza al quarto posto nella sua categoria; mentre nei giorni successivi le radio la premieranno con frequenti passaggi della sua fresca hit sanremese.
Dunque dopo le apparizioni al Teatro Ariston ecco che esce il suo album d'esordio, Irene Grandi, all'interno del quale la cantante toscana mostra tutto il suo talento, non a caso questo lavoro viene accolto positivamente da critica e pubblico. Scritto con Lorenzo Ternelli in arte Telonio e prodotto da Dado Parisini, vede la collaborazione di Eros Ramazzotti – che firma la musica del brano dai ritmi dance, Sposati! Subito!! – e quella di Jovanotti – che scrive la canzone in stile funky, T.V.B. – brani questi che in pochi mesi diventano hit radiofonici insieme ovviamente a Fuori e Un motivo maledetto ma anche insieme a Vai vai vai, canzone dolce e romantica, vagamente rap, dall'atmosfera soft e seducente.
Insomma si tratta di un disco che viaggia ad alte quote, a dimostrarlo c'è anche la cover della canzone blues (You make me feel like) A natural woman, successo interpretato per la prima volta da Aretha Franklin nel 1967.

GIANNI TOGNI - ...E in quel momento entrando in un teatro vuoto, un pomeriggio vestito di bianco, mi tolgo la giacca, accendo le luci, e sul palco, m'invento... (CGD, 1980)

2011-06-09T14:25:00.001+02:00

GIANNI TOGNI - ...E in quel momento entrando in un teatro vuoto, un pomeriggio vestito di bianco, mi tolgo la giacca, accendo le luci, e sul palco, m'invento... (CGD, 1980)
Titolo lunghissimo per un disco che raccoglie ampio successo grazie a Chissà se mi ritroverai, Maggie e soprattutto Luna, canzone che diventa un hit insuperabile, un classico del pop italiano degli anni 80, e che condizionerà tutta la carriera di Gianni Togni (1956). Guido Morra firma tutti i testi di questo album (il secondo per Gianni), per un binomio artistico che durerà negli anni.

GIANNA NANNINI - Profumo (Polydor, 1986)

2011-06-09T14:24:00.001+02:00

GIANNA NANNINI - Profumo (Polydor, 1986)
In questo disco oltre alla hit Profumo, tra le altre canzoni, troviamo i successi Bello e impossibile e Avventuriera. Per la Nannini arriva un momento di grandissima popolarità e diventa definitivamente una star della musica italiana, tra l'altro apprezzata anche nel resto d'Europa, infatti, questo album ad un anno dalla sua pubblicazione si aggiudica il doppio disco di platino in Italia ma anche il disco d'oro in Germania e ancora quello di platino in Svizzera e Austria.

GIANLUCA GRIGNANI - Destinazione paradiso (Mercury, 1995)

2011-06-09T14:23:00.001+02:00

GIANLUCA GRIGNANI - Destinazione paradiso (Mercury, 1995)
Il giovane cantautore Gianluca Grignani nasce a Correzzano (Milano) il 7 aprile 1972. Dopo il divorzio dei genitori, a 17 anni rimane con la madre e la sorella, trasferendosi con loro in Brianza. In questo periodo inizia a scrivere le sue prime canzoni e si esibisce nei locali della zona accompagnandosi con la chitarra, strumento che ha imparato a suonare da autodidatta. Per mantenersi si dedica ai più svariati lavori, fino a quando conosce il produttore e chitarrista Massimo Luca, già collaboratore di De André e Battisti. Dopo due anni di tentativi, nel 1994 partecipa con il brano La mia storia tra le dita alle selezioni di Sanremo Giovani, dove classificandosi nelle prime posizioni, si aggiudica la partecipazione al successivo Festival di Sanremo nella sezione Nuove Proposte, con la canzone Destinazione paradiso.
Con la romantica La mia storia tra le dita, nell'autunno del '94 il giovane Grignani – con la sua immagine di “bello e dannato” e la vocalità sensuale e arrochita – già conquista le airplay radiofoniche e si fa subito apprezzare nel mondo dei teenagers; pochi mesi dopo, con la pubblicazione del suo primo album, Destinazione paradiso, si aggiudica anche le vette del mercato discografico, vendendo più di settecentomila copie in Italia e quasi un milione all'estero, per lo più in Sudamerica.
Questo disco, intimista nei testi e con un Pop-Rock melodico di facile ascolto, presenta canzoni semplici e spontanee che non raccontano solo storie d'amore ma anche il tipico disagio giovanile nei confronti della società, spesso distratta e superficiale verso i problemi reali della gente.
Oltre alle due già citate, le altre hits estratte da questo CD sono: Falco a metà, Primo treno per Marte e Una donna così.

FUGEES - The Score (Columbia, 1996)

2011-06-09T14:22:00.001+02:00

FUGEES - The Score (Columbia, 1996)
Il gruppo dei Fugees, costituito dai cugini Prakazrel “Pras” Michel e Wyclef Jean – espatriati da Haiti nel New Jersey – e dalla cantante Lauryn Hill – voce straordinaria, intensa e duttile: sa essere forte e pungente ma anche soffice e vellutata – , pubblica il suo primo album Blunted on reality nel 1994, dove le sonorità e lo stile vanno dagli echi caraibici e africani a una calda fusione tra l'etnica e il moderno Hip Hop.
Nel 1996 esce The score, il secondo ed ultimo album del trio, dove mantenendo le stesse caratteristiche espressive del disco precedente, i Fugees scalano le classifiche internazionali con un disco gradevolissimo che vende diciassette milioni di copie, e diventano il più acclamato e applaudito gruppo Hip Hop del momento. In questo CD, spiccano le grandiose cover di Killing me softly (Roberta Flack) e di No woman no cry (Bob Marley), nonché il brano inedito Ready or not.
Il successo però frantuma la coesione del trio, che di lì a poco si scioglie, infatti, i vari componenti iniziano a pensare ai propri progetti solisti. Il miglior risultato lo otterrà Lauryn Hill (1973) autoproducendosi nell'album The miseducation of Lauryn Hill che, pubblicato nel 1998 vende ben dodici milioni di copie e si avvale anche dei contributi di Carlos Santana e Mary J. Blige.

FRANCO BATTIATO - La voce del padrone (EMI, 1981)

2011-06-09T14:21:00.001+02:00

FRANCO BATTIATO - La voce del padrone (EMI, 1981)
E' stato il primo album italiano a superare la soglia del milione di copie vendute, con le sue sette canzoni diventate da subito dei successi senza tempo. Dei classici del pop italiano.
Un disco dove ironia e amarezza si sovrappongono alla critica verso il disimpegno della società italiana degli anni 80. Un disco in cui ogni canzone è un collage – solo apparentemente illogico – di luoghi comuni, modi di dire, titoli popolari e citazioni colte che, unito alle composizioni di Battiato crea un caso unico, un fenomeno a sé nella musica italiana. All'interno di questo capolavoro è difficile estrarre un brano che si elevi sugli altri, anche se Bandiera bianca e Centro di gravità permanente hanno fatto da apripista al vertiginoso successo.
Da segnalare anche l'incantevole Summer on a solitary beach e la travolgente Cuccurucucu.
Con il linguaggio del pop, l'artista siciliano racconta frammenti della sua evoluzione personale.

FRANCESCO DE GREGORI - Titanic (RCA, 1982)

2011-06-09T14:20:00.001+02:00

FRANCESCO DE GREGORI - Titanic (RCA, 1982)
Titanic è quasi un concept album, dato che alcune delle canzoni in esso contenute – L'abbigliamento di un fuochista, Titanic, I muscoli del capitano – sono metaforicamente dedicate alla tragedia dell'omonimo transatlantico affondatosi nel 1912 durante il primo viaggio. E' un disco che spazia dalle ballate Folk di L'abbigliamento di un fuochista e della nostalgica e romantica Caterina, al divertente Rock'n'roll di Centocinquanta stelle e Rollo & His Jets, ai suoni sudamericani di Titanic. Forse il brano più famoso, amato e indimenticabile di questo album è La leva calcistica della classe '68. Infatti, dedicata alle speranze di un giovanissimo calciatore, è una canzone poetica, semplice e diretta che arriva al cuore della gente, perché è metafora della vita di ogni ragazzo che sogna di diventare grande. Il disco si chiude con l'intima e pianistica San Lorenzo, che, in riferimento all'ultimo conflitto mondiale, racconta il dolore della guerra e la speranza di un futuro di pace.

FRANCESCO DE GREGORI - Rimmel (BMG Ricordi, 1975)

2011-06-09T14:18:00.001+02:00

FRANCESCO DE GREGORI - Rimmel (BMG Ricordi, 1975)
Ritenuto, probabilmente a ragione, l'album del “perfetto cantautore” sia per la felice vena musicale sia per l'alto contenuto poetico dei testi, si ricorda anche per l'eccezionale qualità tecnica dell'incisione, cosa davvero rara in quel periodo storico della musica italiana.
Un Long-Playing che contiene una serie di classici da Buonanotte fiorellino, la cui melodia è ripresa dal brano di Bob Dylan Winterlude, a Pablo, canzone che rende subito popolare il cantautore romano – scritta insieme a Lucio Dalla che ne firma la musica – a Le storie di ieri, Il signor Hood e Rimmel che ancora oggi resta uno dei brani di Francesco più conosciuti e impressi nei cuori di ogni età. Questo disco candida con sicurezza De Gregori a “principe” del cantautorato italiano più intelligente e sofisticato degli anni 70 e in quel 1975 ebbe ovviamente un successo clamoroso, tanto da rimanere per quasi un anno nelle classifiche di vendita.

FLEETWOOD MAC - Tango in the night (Warner Bros. Records, 1987)

2011-06-09T14:17:00.001+02:00

FLEETWOOD MAC - Tango in the night (Warner Bros. Records, 1987)
Gruppo britannico fondato a Londra nel 1967 dal batterista Mick Fleetwood (1947) insieme al altri tre musicisti, muove i suoi primi passi all'interno del movimento del British Blues. Agli esordi suona un robusto Rock-Blues registra musica con ritmi stacanovisti e ottiene successo anche negli Stati Uniti, là dove il genere musicale che predilige è nato e ha proliferato. Sul finire degli anni 60 al Blues si affianca la Psichedelia, seguono cambiamenti di formazione e agli inizi degli anni 70, la band, in totale via di metamorfosi, vede sfumare i fasti e i ruggiti dei primi anni di carriera e anche il suono prodotto cambia a favore di un Pop-Rock melodico.
Solo nel 1975 con il 33 giri Fleetwood Mac, dopo alcuni album e decine di canzoni senza sostanza, la band riesce a riordinare le idee e ad allestire una scaletta coerente al nuovo corso; tutto ciò avviene con altri cambiamenti nella formazione del gruppo, dove i nuovi arrivati, principalmente Lindsay Buckingham, confermano il radicamento nel suono Usa e il definitivo allontanamento dalle origini britanniche. Così facendo i Fleetwood Mac avviano un offensiva da giganti del Pop. Nel 1977 con l'album Rumours, uno dei dischi più venduti della storia (25 milioni di copie), la band esibisce una sequenza di ballate Soft-Rock orecchiabili, ma non stupide e confezionate con estrema precisione. Ancora successi, anche se in tono minore rispetto a Rumours, nel 1979 con il doppio LP Tusk e nel 1982 con l'album Mirage, all'interno del quale i Fleetwood, ben attenti a non deviare il loro stile oramai consolidato, propongono le solite abili ballate.
In seguito all'interno del gruppo si succedono convulse spinte centripete e desiderio di fuga di vari componenti verso la carriera solista, proprio per questo motivo bisognerà attendere cinque anni prima che i Mac tornino con un album di inediti. Infatti, nel 1987 pubblicano Tango in the night, un disco più che mai “easy-listening” con sonorità in puro stile Pop anni 80, ma con la raffinatezza che contraddistingue la band nelle ritmiche e nelle armonie vocali. Si tratta di un lavoro ben realizzato e di grande successo – purtroppo nato quando oramai la band si era di fatto sciolta – che contiene, tra le altre, due hits rimaste indelebili nella storia del Pop internazionale più raffinato, di qualità ed orecchiabile degli anni 80, sono: Little lies e Everywhere.

EUROPE - The Final Countdown (Epic, 1986)

2011-06-09T14:16:00.001+02:00

EUROPE - The Final Countdown (Epic, 1986)
Il gruppo Rock svedese degli Europe – composto da Ian Haugland, Joey Tempest, John Leven, John Norum e Mic Michaeli – si afferma, nel cuore degli anni 80, proprio grazie a questo disco; infatti, dopo due album pubblicati con etichette indipendenti, nel 1986 gli Europe approdano ad una major e questa volta fanno le cose decisamente in grande.
Prodotti da Kevin Elson realizzano una serie di brani destinati a diventare singoli di grande successo, dalla ballata romantica Carrie, oggi più che mai un classico, all'energica Rock the night, a Cherokee e alla title-track The final countdown, enorme successo dall'atmosfera apocalittica ispirata, dall'allora attuale rischio della guerra atomica tra USA e URSS, la quale appunto sarebbe iniziata con il temuto countdown finale per il lancio del missile nucleare. Il 45 giri di The final countdown balza al primo posto delle classifiche di ben diciotto Paesi, e anche il video diviene popolarissimo.
Questo album vende sei miolioni e mezzo di copie in tutto il mondo, di cui due milioni e mezzo solo negli Stati Uniti; un successo internazionale ottenuto grazie al Rock pomposo e ridondante di chitarre e tastiere, ma anche grazie agli assoli vocali del virtuoso Joey Tempest, cantante, chitarrista e leader del gruppo, nonché autore unico di tutti i brani del disco, eccezion fatta per Carrie, scritta da Tempest insieme al tastierista Mic Michaeli.

EUGENIO FINARDI - Sugo (Ed. Musicali Cramps Music S.r.l. Milano, 1976)

2011-06-09T14:14:00.001+02:00

EUGENIO FINARDI - Sugo (Ed. Musicali Cramps Music S.r.l. Milano, 1976)
Eugenio Finardi, milanese, nato nel 1952, artisticamente nasce come cantautore rock e pubblica il suo primo album nel 1975.
Rodatosi come supporter nei tour di De Andrè e della PFM, Finardi, che vive lo spirito della metropoli e le relative tensioni sociopolitiche, pubblica nel 1976 il suo secondo Long Playing, Sugo, che contiene un pugno di canzoni esemplari nel fotografare la generazione a cui appartiene. Questo album contiene brani ricchi di spontaneismo, i più rappresentativi sono: Musica ribelle, che diventa una sorta di inno storico nel periodo della contestazione giovanile e studentesca degli anni 70; La radio, che esalta il fenomeno delle radio private, in un periodo in cui si fa strada l'illusione di un mezzo di comunicazione lontano dai centri di potere, un sogno poi soppiantato dalla realtà dei network e del business pubblicitario; e Oggi ho imparato a volare, delicata e deliziosa poesia che celebra con stupore la vita nella semplicità dei suoi valori più importanti, come la libertà e l'amicizia.

EDOARDO BENNATO - Sono solo canzonette (Ricordi, 1980)

2011-06-09T14:13:00.001+02:00

EDOARDO BENNATO - Sono solo canzonette (Ricordi, 1980)
Un album più che azzeccato, costruito sulla rielaborazione della favola di Peter Pan. Il rock di Capitan Uncino prende in giro e ridicolizza chi usa la violenza e il terrore per dimostrare o imporre le proprie idee, Sono solo canzonette è una brano satirico nei confronti del potere e dei politici sempre pronti a sostenere con ipocrisia e per puro opportunismo chi può dar loro un buon ritorno di immagine, Rockoccodrillo è un omaggio al Rock'n'Roll, L'isola che non c'è è una delle ballate più delicate della musica italiana.

EAGLES - Hotel California (Asylum, 1976)

2011-06-09T14:12:00.001+02:00

EAGLES - Hotel California (Asylum, 1976)
Joe Walsh, ex chitarrista dei James Gang, sostituisce il dimissionario Leadon, portando un soffio di Rock nel gruppo. Ecco dunque che il suono degli Eagles si fa più quadrato, incisivo e conduce a un trionfo commerciale, infatti questo album rappresenta uno dei massimi best-seller della storia musicale. Carezze e tepori sono contrappuntati da esaltanti progressioni elettriche, che si possono godere nel capolavoro che da il titolo al Long-Playing.

DIROTTA SU CUBA - Dirotta Su Cuba (CGD East West, 1995)

2011-06-09T14:09:00.001+02:00

DIROTTA SU CUBA - Dirotta Su Cuba (CGD East West, 1995)
A metà degli anni 90 il tastierista Rossano Gentili e il bassista Stefano De Donato, colgono al volo il rinnovato interesse per la black music. Affidato il ruolo di cantante alla brava corista Simona Bencini, per alcuni anni il trio fiorentino dei Dirotta Su Cuba cavalca l'onda del successo.
Questo primo album, farcito con musica Funky e Soul, porta sulla scena musicale italiana una ventata di freschezza e briosità, non a caso le canzoni (Gelosia, Liberi di – liberi da, Dove sei?, Legami, Solo baci) vengono superlanciate dalle radio e ancora oggi, a distanza di oltre dieci anni, restano dei brani “easy-listening” di sicura presa sul pubblico.

CLAUDIO BAGLIONI - Strada facendo (COLUMBIA, 1981)

2011-06-09T14:05:00.001+02:00

CLAUDIO BAGLIONI - Strada facendo (COLUMBIA, 1981)
Gli anni 80 si aprono anche con le canzoni che raccontano i sentimenti e la quotidianità in maniera semplice e diretta, infatti, risale proprio al 1981 l'album che per molti rappresenta il più bel disco di Claudio Baglioni, Strada facendo.
Registrato in Inghilterra, prodotto e arrangiato dal pianista e tastierista Geoff Westley, questo capolavoro della musica italiana contiene 12 canzoni curate in maniera quasi maniacale che fondono in esse belle melodie e testi accarezzati da una grande tensione emotiva, senza trascurare le ritmiche perfette, accattivanti, in linea coi tempi, che affiancano le melodie di Via, Notti e Fotografie. La grande umanità dei brani di questo disco esce intensamente in Ragazze dell'Est e I vecchi – una delle ballate più struggenti dell'artista romano – entrambe delle lucide descrizioni della condizione umana. Ma fotogrammi di vita vissuta vengono raccontati anche in Via, Notti, Fotografie e soprattutto in Strada facendo, un brano quasi terapeutico per chi lo ascolta, infatti, questa canzone, in un'alchimia di parole e suoni, riesce a comunicare ottimismo e speranza. Mentre dei picchi di “classico romanticismo della canzone italiana”, vengono raggiunti con le gradevoli Ora che ho te e Buona fortuna.
Insomma si tratta di un album che parla della vita nel suo alternarsi di speranze e delusioni, gioie e tristezze. Tra queste 12 canzoni è curioso segnalare anche i mini brani Uno, Due, Tre, Quattro che sono prettamente autobiografici e raccontano in maniera popolare sopra gli accordi di una chitarra, momenti della propria fanciullezza e adolescenza; quattro brevi canzoni che fanno da intermezzo tra i brani portanti del disco.
Cominciano proprio da questo grande successo discografico – che nel 1981 vince il disco di platino – i bagni di folla e i trionfali concerti negli stadi che scandiranno la carriera di Claudio Baglioni.

CLAUDIO BAGLIONI - E tu come stai? (COLUMBIA, 1978)

2011-06-09T14:04:00.001+02:00

CLAUDIO BAGLIONI - E tu come stai? (COLUMBIA, 1978)
Pubblicato nel 1978 dalla CBS, è arrangiato da Ruggero Cini e realizzato in Francia. Nel marzo del 1979 questo album viene però sequestrato in tutti i negozi a causa di una disputa tra la CBS e la RCA. Risolta la vertenza, nel 1980 l'album esce sul mercato in lingua spagnola vincendo il disco d'oro.
In questo Long-Playing è l'intimismo ad emergere con forza dalle canzoni, anche con un pizzico di decadentismo, mettendo da parte sentimentalismi e tentazioni commerciali. Ne risultano pregevoli istantanee – che fotografano ricordi, momenti di vita, sensazioni e stati d'animo dell'autore – come Con te, Signori si chiude, Ti amo ancora, Giorni di neve, E tu come stai?, Un po' di più, Ancora la pioggia cadrà.

CLAUDIO BAGLIONI - Sabato pomeriggio (RCA, 1975)

2011-06-09T14:03:00.001+02:00

CLAUDIO BAGLIONI - Sabato pomeriggio (RCA, 1975)
Prodotto da Luis Enriquez Bacalov, questo album rafforza l'immagine di Claudio Baglioni quale cantore dei sentimenti quotidiani, con composizioni destinate a rimanere fra le migliori del cantautore romano.
Poster, con il suo ritornello ispirato alla tradizione degli stornelli popolari romani, racconta e descrive momenti di semplice quotidianità di uomini e donne nella grande sala d'attesa del mondo, dove ognuno sogna, come dice metaforicamente la canzone: “di fuggire via e andare lontano”, magari per raggiungere i propri sogni. Nel disco è contenuto anche il brano omonimo, Sabato pomeriggio, un classico, tra i più inarrivabili della canzone d'amore italiana, che ha fatto capolino nei cuori di generazioni di adolescenti.

CARMEN CONSOLI - Confusa e felice (Cyclope Records, 1997)

2011-06-09T14:01:00.001+02:00

CARMEN CONSOLI - Confusa e felice (Cyclope Records, 1997)
Carmen Consoli nasce a Catania il 4 settembre 1974. Sin da giovanissima si interessa alla musica, infatti a nove anni inizia a suonare la chitarra elettrica e a quattordici entra a far parte di gruppi musicali, con i quali si esibisce alle feste studentesche e nei locali catanesi, eseguendo cover rock-blues. Nel frattempo inizia anche a comporre musiche e scrivere testi. Nel 1996 pubblica l'album Due parole lanciato dal singolo Amore di plastica che Carmen canta sul palco del Festival di Sanremo classificandosi all'ottavo posto tra le nuove proposte. Questa prima canzone di successo della cantautrice catanese, spopola nelle radio e vende 150000 copie. Carmen si fa notare dal pubblico e dalla critica per la sua forte presenza scenica e la vocalità insolita, giocata tutta su toni sovracuti, volutamente sgraziata ma intonatissima.
Nel 1997 esce il suo secondo album, Confusa e felice – la canzone omonima viene presentata alla gara canora sanremese – con il quale Carmen conferma alla grande tutto il suo talento e viene considerata tra le più promettenti cantautrici italiane. Questo ispiratissimo disco, più rock rispetto al precedente e in alcuni brani riscaldato e ammorbidito dal suono dei violoncelli, vede nei testi una viscerale carica poetica. Alcune canzoni sono molto intimiste e trattano intensamente il tema dei sentimenti repressi o conflittuali e dell'amore non corrisposto, come Uguale a ieri, Diversi, Fidarmi delle tue carezze, Blunotte, La bellezza delle cose. Mentre il rock più duro e meno melodico di Per niente stanca, tocca il tema dell'AIDS raccontando i pensieri di una malata, e la suggestiva Un sorso in più racconta l'agghiacciante dramma delle persecuzioni e delle deportazioni degli ebrei nei campi di concentramento.

BIAGIO ANTONACCI - Biagio Antonacci (Mercury/PolyGram Italia S.r.l., 1994)

2011-06-09T13:57:00.001+02:00

BIAGIO ANTONACCI - Biagio Antonacci (Mercury/PolyGram Italia S.r.l., 1994)
Biagio Antonacci nasce il 9 novembre 1963 e cresce nell'hinterland milanese, a Rozzano, dove studia da geometra e si appassiona sin da giovanissimo alla musica, suonando la batteria. Inizia a scrivere canzoni e nel 1989 pubblica il suo primo album, Sono cose che capitano. Nel 1991 Antonacci pubblica il suo secondo CD, Adagio Biagio, con il quale riesce a farsi conoscere dal grande pubblico che, infatti, apprezza il suo genere musicale: melodico, a tratti anche decisamente romantico, con testi non dirompenti ma accattivanti, insomma, una sorta di easy-listening della canzone d'autore italiana. Uno stile che funziona sul mercato discografico e che soprattutto si rivela molto radiofonico.
Nel 1992 la sua Il fiume dei profumi viene incisa dalla grande Mia Martini e il singolo Liberatemi – tratto dall'album omonimo del 1993 che vende 150 mila copie – viene trasmesso massicciamente dalle radio. Sempre nel '93, partecipa al Festival di Sanremo con il brano Non so più a chi credere – con il quale si piazza in ottava posizione – e inizia un lungo tour nazionale.
Ma ecco che siamo giunti a Biagio Antonacci, ovvero il CD di cui mostriamo la copertina. Un album che testimonia una raggiunta maturità artistica, in cui lo stile si affina e diventa ancora più caratteristico e riconoscibile. Accanto alle ballate romantiche Sei, Fino all'amore e alla malinconica e struggente Se io, se lei – ormai un classico della nostra musica leggera – , appaiono anche canzoni più grintose e arrabbiate come Non è mai stato subito – con le sue sfavillanti chitarre elettriche – e anche simpatiche e spassose come Lavorerò – realizzata in stile Reggae – . Toccante è poi la descrizione della figura paterna in Lo conosco poco. Troviamo inoltre il coro dei bambini dell'Antoniano di Bologna in E' finita la guerra.

BACKSTREET BOYS - Backstreet's back (Virgin/Jive, 1997)

2011-06-09T13:56:00.001+02:00

BACKSTREET BOYS - Backstreet's back (Virgin/Jive, 1997)
La boy band più famosa di fine anni 90 esordisce nel 1996 con l'album Backstreet Boys, e fin da subito i cinque ragazzi americani che la compongono, aiutati dal loro aspetto pulito e rassicurante che tanto piace alle ragazzine, mostrano in realtà doti vocali non comuni agli innumerevoli gruppi per adolescenti in circolazione all'epoca – band che erano l'una clone dell'altra e realizzate, o meglio, fabbricate a tavolino dai discografici che univano alle facili melodie, dei ragazzi modaioli dal ventre piatto, dai pettorali possibilmente scolpiti e dalle movenze pseudosensuali – . Però, come dicevamo, i Backstreet Boys nel mucchio hanno fatto la differenza proprio dal punto di vista musicale, grazie ad una vena Soul e R&B che pervade le loro composizioni, apprezzate non soltanto dai teen agers.
Nel 1997 pubblicano il loro secondo album, Backstreet's Back con il quale raggiungono l'apice del successo e la consacrazione a divi del Pop. All'interno di questo disco, alle buone soluzioni vocali unite a piacevoli melodie come in As long as you love me e All I have to give, si alternano sonorità energiche e accattivanti decisamente in stile dance come in Everybody (Backstreet's back); il tutto senza perdere di vista l'alto standard qualitativo, pari a quello dei migliori gruppi di moderno R&B. Inoltre, c'è da aggiungere che in questo secondo CD i cinque giovani – i quali insistono nel dichiarare che non sono solo dei vocalist, ma anche dei veri e propri musicisti e quindi che ognuno di loro sa suonare degli strumenti – sono migliorati sensibilmente anche grazie alle esperienze live che hanno realizzato in giro per il mondo.

AUDIO 2 - E=mc2 (PDU, 1995)

2011-06-09T13:54:00.001+02:00

AUDIO 2 - E=mc2 (PDU, 1995)
Gianni Donzelli e Enzo Leomporro, entrambi di Napoli, nati nel 1961, inizialmente si impongono nel mondo della musica italiana come autori raffinati firmando il brano sentimentale Neve – che evoca un'atmosfera carismatica e suggestiva – interpretato da Mina nel 1992. L'anno successivo il duo debutta nel mercato discografico con l'album Audio 2, che contiene la hit radiofonica Sì che non sei tu e dal quale emerge con risalto la curiosa e piacevole similitudine vocale e stilistica con Lucio Battisti, una caratteristica questa, che inevitabilmente rende subito piacevole l'ascolto delle loro canzoni.
E' doveroso segnalare in queste brevi note biografiche, che nel 1998 gli Audio 2 forniscono come autori ben tre brani – Acqua e sale, Specchi riflessi e Io ho te, quest'ultima per la sola voce di Mina – al memorabile CD interpretato in coppia da Mina e Celentano.
Ma veniamo al loro secondo album, E=mc2, pubblicato nel 1995, che curiosamente non solo con la formula presa in prestito per il titolo ma anche con l'immagine messa in copertina – come già era avvenuto per l'album precedente – omaggia Albert Einstein. All'interno di questo lavoro Pop di gradevole ascolto e originale nei testi, che vende quasi duecentomila copie, troviamo il singolo apripista Alle venti... e altri successi radiofonici come: Rotola la vita, la romantica e struggente Io ho te – canzone ufficiale della colonna sonora del fortunatissimo film “I laureati” di Leonardo Pieraccioni – e Dentro a ogni cosa che si conclude con il ritornello riproposto in crescendo, cantato dalla riconoscibilissima voce di Mina che, in questa occasione, anonimamente, si presta come corista.

ANTONELLO VENDITTI - Cuore (Heinz Music, 1984)

2011-06-09T13:52:00.001+02:00

ANTONELLO VENDITTI - Cuore (Heinz Music, 1984)
Con questo album, Antonello nelle sue canzoni smette quasi del tutto di trattare temi politici e sociali, infatti – fatta eccezione per il brano L'ottimista che presenta una pacata e simpatica satira politica – regala al pubblico italiano un disco che con passione e notevole aspirazione parla di sentimenti, ricordi e nostalgie.
Questo Long-Playing ridà ad Antonello Venditti quella grande popolarità che nei primissimi anni 80 era un po' venuta meno, e vince persino la Vela d'Oro quale disco più venduto dell'anno. D'altronde stiamo parlando di un 33 giri che contiene dei classici intramontabili della musica leggera italiana, tra i quali spiccano: Ci vorrebbe un amico, Notte prima degli esami, Piero e Cinzia, Stella.

ALISON MOYET - Alf (Columbia, 1984)

2011-06-09T13:50:00.001+02:00

ALISON MOYET - Alf (Columbia, 1984)
Alison Moyet, nata a Billericay, nell'Essex (Regno Unito), esordisce nel mondo Pop come “back vocalist” del duo synth Pop degli Yazoo, è sua infatti la voce nella bellissima ballata – lenta e dalle fredde sonorità elettroniche – intitolata Only you. Ma ecco che nel 1984 Alison si mette in proprio e pubblica il suo primo album, Alf. Un Long-Playing che diventa ben presto un successo, grazie anche a singoli accattivanti come Invisible e Love resurrection, hits dalla bellezza rimasta intatta nel tempo, grazie soprattutto alla voce calda ed emozionante di Alison che, da diva Soul, sa essere grintosa e al tempo stesso dolce e raffinata.

A-HA - Stay on these roads (Warner Bros. Records, 1988)

2011-06-09T13:47:00.001+02:00

A-HA - Stay on these roads (Warner Bros. Records, 1988)
Se si chiede di associare il titolo di una canzone al gruppo degli “A-Ha”, la risposta che normalmente si ottiene è “Take on me”, famosissimo ed orecchiabilissimo successo del 1985.
Gli A-Ha sono la band norvegese che ha esportato più musica nel mondo. Composto da Morten Harket (voce e leader del gruppo), Paul Waaktaar (chitarra e cori) e Magne Furuholmen (tastiere, chitarra e cori), il trio scandinavo nasce nel 1983 e lascia la Norvegia per andare in Inghilterra in cerca del successo, infatti, proprio lì firmano un contratto discografico con la “Warner Bros. Records”. La major non si lascia sfuggire questi tre ragazzi dal look modaiolo, dal sound orecchiabile e determinati a sfondare nel mondo della musica Pop.
Nel 1988 esce il loro terzo album, Stay on these roads, con il quale la band, tramite un lieve cambiamento di immagine, tenta di proporre un Pop più maturo e ricercato. Però nonostante riescano nel loro intento, questo disco raccoglie un successo minore rispetto ai due lavori precedenti. Si tratta comunque di un album che ancora contiene delle hits, come la title-track, Stay on these roads, che rimane una gradevole ballata, o Touchy! e You are the one, che sono delle classiche Pop-song del periodo. Ma non mancano nemmeno brani originali come The blood that moves the body, dalle sonorità accattivanti con un'atmosfera vagamente lunatica e misteriosa; stesso stile anche per The living daylights, che unisce all'atmosfera carismatica una linea melodica particolarmente orecchiabile, non a caso questa è la hit più famosa dell'intero album. Restano poi pressoché sconosciute all'interno di questo disco altre canzoni ben scritte e confezionate, che rappresentano il Pop più raffinato e maturo di fine anni 80, come Out of blue comes green, There's never a forever thing e This alone is love.

Viaggio allucinante (1966)

2011-06-06T15:04:00.002+02:00

Nel corpo umano con un sommergibile per salvare la vita di un noto scienziato.

Uno scienziato che ha perfezionato il principio della miniaturizzazione di oggetti e persone, subisce un attentato e rischia di morire. Entrato in coma, viene sottoposto a un'operazione che utilizza le tecniche da lui messe a punto. Un'équipe di scienziati, con un agente dell'Fbi al seguito, viene miniaturizzata in un sommergibile ed iniettata nel corpo del malato. Il loro scopo è quello di operare il paziente dall'interno, ma all'interno dell'équipe medica si cela uno degli attentatori.

Piccolo gioiello di fantascienza, con effetti speciali di notevole impatto ed efficacia per i suoi tempi (infatti vinsero l'Oscar, così come le scenografie che riproducono l'interno del corpo umano). Rifatto da Joe Dante: "Salto nel buio", 1989.

Le cinque giornate

2011-05-29T14:00:00.001+02:00

Le cinque giornate sono quelle di Milano (18-23 marzo 1848), ma raccontate alla rovescia: delinquente da strapazzo e panettiere sono coinvolti nei moti contro il dominio austriaco. In cadenze di balletto crudele, sghignazzante e qualunquista, il film oscilla tra fascismo e Potere Operaio. È fascista a livello espressivo, estremista a quello ideologico, confuso su entrambi. Sceneggiatura di D. Argento, Luigi Cozzi, Vincenzo (Enzo Ungari) e Nanni Balestrini.

BORSALINO

2011-05-22T21:07:00.003+02:00

Rivale di Belmondo, Delon fu scoperto da René Clément e Luchino Visconti. Ha saputo cucirsi addosso un ruolo di duro dalla faccia d'angelo e dallo sguardo d'acciaio, risolto con stile brusco, efficace e deciso. Esempi di ciò sono Frank Costello faccia d'angelo (1967) di Jean-Pierre Melville e Borsalino (1970) di Jacques Deray. Nel 1960 con il film Rocco e i suoi fratelli di Luchino Visconti la sua carriera è a una svolta decisica. Negli anni successivi lavora con altri registi importanti del cinema italiano, come Michelangelo Antonioni nel film L'eclisse (1962), Il Gattopardo (1963) di Luchino Visconti dove interpreta il seducente principe Tancredi, indimenticabile al pubblico femminile. Negli anni '70 ha interpretato diversi ruoli sul grande schermo in alcuni film: La piscina (1968) di Jacques Deray, Borsalino (1970) con Jean-Paul Belmondo, L'evaso (1971), La prima notte di quiete (1972) di Valerio Zurlini (Delon è il tragico Daniele), Mr. Klein (1976) di Joseph Losey, nella parte di un antiquario ebreo. Dal 1985 ha interrotto la carriera e si dice disposto a riprenderla solo per un film a fianco di Marlon Brando. Ha ricevuto un Orso d'oro alla carriera al festival di Berlino